Alain Snyers :
Le poète était inspiré par les oeuvres en verre de Priska Jacobs, une verrière de Suisse. Ses oeuvres montrent des petites maisons d'insectes, - villas, - en verre. Elles sont décorées avec des fenêtres qui montrent l'intérieur des 'villas'. Les oeuvres sont installés dans l'exposition comme des maisons dans un village.
Les poèmes d'Alain Snyers sont des arguments poético-marketing pour ces maisons à vendre.

Burkina Faso :
Pendant un séjour de trois ans au Burkina Faso (Afrique de l'Ouest), Ann Geirnaerdt a eu l'occasion d'expérimenter à plein temps la technique de la cire perdue et le moulage de ces créations en bronze. Cette expérience unique a déterminé son style de travail.

Thémes :
Ann Geirnaerdt aborde à travers ses oeuvres les thèmes de l'homme qui "cherche" continuellement, qui a besoin de connectivité, de sécurité, mais souhaite en même temps garder sa propre force. L'homme qui aspire à une certaine harmonie et veut vivre pleinement dans la vie; parfois vulnérable, parfois fort, toujours à la recherche de son nid douillet, qu'il préfère également partager avec d'autres.

Matière :
Ann Geirnaerdt: 'La particularité de mes oeuvres est l'inspiration que m'apportent les matières naturelles comme de l'écorce, des branches, des légumineuses, par leur forme, leur mouvement et leur structure. Ces matiéres laissent une empreinte dont je m'imprègne avec gratitude et que je façonne.'

Anne Hallet :
Elle dit : "Ma conscience la plus aiguisée, mes perception les plus subtiles passent par mes mains. Je ne suis jamais aussi présente que lorsque je suis toute entière au bout de mes doigts.


Sujet et vision :
Anne Hallet raconte : "Alors je sculpte, et c'est pour moi l'occasion d'un véritable cheminement. L'argile est un matériau noble et sensuel qui me porte à vous conter les mille et une façons d'habiter un corps, un sexe, un désir. Sur ce chemin mes mains me précèdent et court-circuitent le brouhaha de mon mental pour mettre en forme ce que je n'entends, bien souvent, qu'avec un temps de retard."

Axel :
Axel commence à peindre en 1992, attiré par la culture hip-hop et lÂ’esprit litigieux du graffiti.
L'artiste a du mal à trouver sa place dans une société où tout est gris et bétonné. Axel veut faire parler les murs, les colorer, effacer leur tristesse.
Ses toiles expriment, comme chacune des ses signatures de lÂ’époque, une idéologie positive parsemée de joie, de bonheur, de déception et de réalisme.
Les couleurs lui permettent dÂ’égayer les endroits qui sont le décor de notre vie, de mettre de la joie là où les mines sont grises.

Kètul :
Kètul est fasciné par les paysages qu'il met en évidence en créant des monolithes comportant une sorte de hublot, de fenêtre invitante, Â… pour (re)découvrir la splendeur des plantes spontanées et/ou cultivées. Le travail de la terre crue est au centre de sa recherche conceptuelle. La face lisse de ses pièces invite des autres artistes à créer ... pour encore davantage favoriser le dialogue avec la nature.

Méthode de travail
Avant de commencer l'oeuvre, Axel et Kètul ont réalisé plusieurs croquis de l'installation, qui tenaient compte de l'emplacement et de l'atmosphère du lieu. Les esquisses divisent l'installation en éléments, qui sont aisément maitrisables et transportables.
Chaque pièce a besoin de supports pour stabiliser la pièce dans le jardin sans utilisation abusive de matières premières

Pour le moulage des éléments, Kètul a créé un moule dans une couche de terre limoneuse bien compactée. Après avoir rempli le moule d'un mélange de granulats et de ciment, les surfaces encore visibles sont structurées. Ces surfaces seront ensuite peintes par Axel à l'aide de techniques de street-art (spray painting). Les autres surfaces contiennent de la terre crue qui, avec le temps, s'éroderont lentement et seront recouvertes de lichens et de végétation.
Le moule ne peut être utilisé qu'une seule fois et un nouveau moule est nécessaire pour chaque élément de l'installation.

B. Jane Cowie :
B. Jane Cowie vient du sud de l'Australie et sa carrière dans la conception et la réalisation d'installations en verre l'a amenée à voyager à travers le monde. Jane a récemment contribué à l'environnement bâti de Singapour pendant plus de 10 ans, en installant du verre d'art dans de nombreux espaces publics en plein air.


Process :
B. Jane Cowie is designing, making and installing artworks and large-scale glass installations which are purpose built for private and commercial spaces
It means she now had to work with larger teams of project managers, makers and installers situated in Singapore.

Exhibitions :
Plus récemment, B. Jane Cowie est revenue à une pratique d'exposition plus personnelle à travers une série d'ateliers de méthodologie de recherche et d'expositions à Mittagong, Perth et Canberra - et maintenant "Le Jardin Enchanté", c'est pour la première fois en Belgique et en Europe.

Assemblages de plaques à suspendre : Ouverture sur paysage :

• Les assemblages de disques de Betty Moerenhoudt sont des plaques en grès retravaillées au tour de potier.
• En associant le travail de la plaque et du tournage je crée de nouvelles compositions : transformer, découper, repositionner des éléments pour aboutir à un nouvel équilibre.
• La surface des pièces est empreinte de traces, de textures contrastant avec des parties lisses qui sont accentuées par le choix des émaux.
• Après la seconde cuisson à 1260° qui les rend étanches, elles sont assemblées par Gohar Gabrielyan qui par la technique du macramé et l’utilisation de cordages s’inspire des formes et des ouvertures pour réaliser un travail de nouage en complétant la composition. Les cordages sont faits avec une corde de chanvre synthétique qui peut rester à l’extérieur.
• Au travers des ouvertures on peut voir le paysage qui prend d’autres dimensions.

Captain Bebop & B-Art:
Deux artistes, Raf Roefflaer, un verriere, et Bart Vanderschotun, un sculpteur en acier corten, combinent leur savoir-faire et leurs imagination pour créer des oeuvres humourisqtiques

Texte de Carlo Kockerols (adapté) :
Ce qui me frappe dans l'oeuvre de Daniel Olislaegers, ce qui m'a frappé dès le début, c'est la très grande diversité de créations, diversité qui s'exprime autant par les formes que par les techniques utilisées. A quoi j'ajoute, le côté « perfectionniste» de l'artiste. Ce qu'il fait sort d'une imagination jamais prise en défaut, mais avec le souci de réaliser une oeuvre sans bavure, parfaite.

On peut s'étonner du fait que Daniel Olislaegers n'a commencé sa vie d'artiste que bien tard, à ses 40 ans. Sorti d'une grave crise tant morale que physique, le voilà se reforgeant une personnalité au travers d'une création artistique ardue, ne rechignant pas devant les difficultés. Ce défi il me semble l'avoir magnifiquement affronté, comme en témoigne son oeuvre.
...
La majeure partie de son oeuvre récente réside dans le travail du verre. Il s'est perfectionné dans une technique très peu pratiquée, difficile, notamment celle du verre coulé. La forme de verre ainsi produite au départ d'un moule est alors insérée dans un matériau sculpté lui aussi, pierre de taille ou marbre, bois ou métal, travertin ou terra-nova. Cette juxtaposition de matériaux, parfois très brute, fait qu'aucune oeuvre n'est pareille à l'autre, nous y trouvons une étonnante diversité de formes et de conception.

Chaque oeuvre est le produit d'un concept élaboré avec précision, et s'intitule comme étant un message de civilisations éloignées, perdues, oubliées. Comparons avec ce coffret déposé par les astronautes sur la lune, et destiné à être découvert par des créatures inconnues. Le titre de chaque oeuvre est ainsi une clé. Au spectateur de faire sa part de travail, pour qu'il découvre les secrets cachés de l'oeuvre.

L'oeuvre dans son ensemble est imprégnée d'une créativité et d'une vitalité, qui témoignent de l'effort fait pour dépasser toute épreuve, se dépasser soi-même, dompter la matière. En même temps elle est aussi signe d'une réceptivité à tout ce que peuvent nous apporter les hommes de tous les temps, de tous les horizons.

Hans Koenen :
Les projets de développement, principalement en Afrique et en Europe de l'Est, a laissé des traces durables et appréciées.


Sujets:
Hans Koenen crée des sculptures féminines en bronze, en pierre ou en combinant les deux.
Elles ont de grandes ouvertures pour créer de la transparence, réduisent leur domination visuelle et s'intégrent dans l'environnement. Elles expriment la fragilité, stimulent la curiosité, la perception et la narration.
Pour les sculptures en bronze, il préfère utiliser les formes et les éléments trouvés dans la nature.

Helen Twigge-Molecey :
Artiste et designer reconnue, elle aime travailler sur différents supports, en particulier le verre. Elle s'intéresse à la manière dont on peut changer les choses par le biais d'une expérience positive. Son travail est sous-tendu par le désir de le rendre beau, simple, accessible et amusant.

Hermien Buytendijk:
Les sculptures sont souvent réalisées à partir d'une esquisse qui évolue au cours de la création. Il est également possible qu'elles soient modelées d'après un mot ou un titre. Inversement, le titre se présente souvent comme un résultat d'un jeu de questions-réponses avec la sculpture. Ainsi, de nombreuses combinaisons de mots folles sont créées et les sculptures et ses titres sont toujours différentes et uniques.

Les sculptures sont creuses, construites avec des bandes d'argile (grès ou porcelaine) qui sont pétries et bosselées. Souvent, Hermien Buytendijk travaille simultanément aux plusieurs sculptures à différents stades de développement.
Elles sont d'abord peintes à l'aide des feuillets de couleur entaillés dans l'argile et ensuite cuits au four à 900 degrés. Ils sont ensuite frottés avec des colorants à base de poudres métalliques, puis émaillés et cuits à un minimum de 1200 degrés et souvent suivi d'une cuisson à 800 degrés pour bruler un peu d'or.

Hermien Buytendijk pour Galerie 'T':
Hermien met la vie en perspective grâce à des sculptures en céramique qui balancent entre rêve et réalité.

Ses sculptures font souvent quelque chose qui n'est pas tout à fait possible, elles semblent simplement échapper à la réalité mais en donnant à elle une impression très nette. Avec humour et double sens, Hermien Buytendijk crée des créatures que tout le monde reconnaitra avec le sourire. Les figures humaines et animales se mêlent aux instruments de musique et aux objets différentes pour former des pièces uniques et originales et chaque sculpture reçoit un nom propre.

Les sculptures sont nées d'une fantaisie inspirée de la vie, tous différents et surprenants.
Les sculptures sont souvent placées sur des piédestaux de bois ou de pierre qui sont décorés de manière correspondante.
Les oeuvres reçoivent des couleurs de la terre avec des touches d'or et des éléments graphiques.

Ioannis Konsolakis:
Il dit : "Cherchant toujours à crée depuis mon plus jeune âge, passant par le dessin au crayon de corps et d'animaux, de structures, de bâtiments, … ."
"J'ai toujours eu de l'intérêt et de la curiosité pour les œuvres dont j'avais ce besoin de ressentir."
"Ayant du mettre tout en pause pendant de longues, de très longues années, maintenant, le temps de recrée est là."

Vision artistique :
Ioannis Konsolakis veut pousser le concept des structures géométrique pour capter le ressenti des passants. Quel plaisir pour moi.

Tone Aanderaa:
Jan Verschueren trouve des morceaux de métal, des restes d'objets, des déchets et de la belle ferraille. Il les soude, parfois de manière apparemment aléatoire ou négligente, parfois de manière soigneusement planifiée.
Un nouveau monde se développe, de nouvelles machines sont créées, puis habitées.

Le résultat est fantastique, ludique, plein d'humour, et puis il y a ce sentiment presque indescriptible, une tristesse, une mélancolie, mais certainement humain.

Tout ce qui en fait de la poésie.
Et, comme pour la plupart des artistes poétiques, les titres sont importants.

Jan Verschueren joue avec les sens, et il joue avec les mots d'une manière des plus charmantes !

Jean de la Kethulle :
Il est fasciné par les paysages qu'il met en évidence en créant des monolithes comportant une sorte de hublot, de fenêtre invitante pour (re)découvrir la splendeur des plantes spontanées et/ou cultivées. Le travail de la terre crue est au centre de sa recherche conceptuelle. La face lisse de ses pièces invite des autres artistes à créer ... pour encore davantage favoriser le dialogue avec la nature.

Mèthode de travail :
Pour le moulage des éléments, Jean de la Kethule a créé un moule dans une couche de terre limoneuse bien compactée. Après avoir rempli le moule d'un mélange de granulats et de ciment, les surfaces encore visibles sont structurées. Les autres surfaces contiennent de la terre crue qui, avec le temps, s'éroderont lentement et seront recouvertes de lichens et de végétation. Le moule ne peut être utilisé qu'une seule fois et un nouveau moule est nécessaire pour chaque élément de l'installation.

Au cours de ma carrière de restaurateur de vitraux, exercée principalement dans les églises, j'ai eu l'occasion quelques rares fois de travailler sur des morceaux de verre qui furent réalisés à l'aide de pochoirs. La technique naît au XIVème siècle, quand les vitraux commencent à perdre, petit à petit, leur usage premier et se mettent au service des différents pouvoirs en place sous forme de blasons représentant les familles influentes de l'époque. Le fond du vitrail, sert alors uniquement à mettre en valeur les blasons : il est composé de motifs végétaux répétitifs ("damasse") ou de motifs géométriques à résilles serrées ("cages de mouches"). Pour ces fonds répétés des centaines de fois dans la verrière, les verriers utilisent les mêmes pochoirs réalisés en plomb ou en zinc par des dinandiers. Leur usage n'est pas commun : il a été délaissé aux XVIIème et XVIIIème siècles, a retrouvé un regain d'intérêt de la part des maîtres verriers au XIXème siècle pour être complètement oublié au XXème siècle. Je n'ai jamais aimé le verbe "perdre" et encore moins "technique perdue/disparue". Je pense au mot de Pascal Quignard : "Les arts n'ont pas pour destin, comme fait l'histoire, d'organiser l'oubli. Ni d'engloutir le savoir d'autrefois. Ni d'anéantir l'ailleurs du temps."

Jean-Luc Absil (texte adapté):
Il crée ses sculptures en argile et en cire en réalisant les coulées en bronze et en résine.

Il a le souci du détail, il est dans la recherche constante de l'élégance, de l'émotion que suscite le corps féminin dans sa réserve ou sa provocation.

La sensualité naturelle de la Femme qu'il représente incite le spectateur à un regard serein dans le respect de la nudité.

En magnifiant, voire en divinisant son sujet, il touche au Féminin Sacré.
Jean-Luc Absil tente d'atteindre l'image totale de la Déesse Femme.

Sujet :
Nées du regard de l'homme, de son rêve ou de son fantasme, les sculptures de Jean-Luc Absil dégagent une sensualité naturelle qui leur confère un érotisme respectueux.

C'est la représentation de la Femme, triomphante de féminité, arborant la fierté de disposer de son corps, et gardant en réserve son pouvoir de séduction.

Vision :
À travers son oeuvre, Lebuïn D'Haese communique avec le public, lui donnant un aperçu de sa pensée. Pour lui, 'être un artiste' n'est pas sans obligation. L'art pour l'art n'est rien pour lui. Il est un artiste engagé qui n'a qu'un seul sujet : l'être humain. (Gui Kestens)

Luc Clerinx :
Lebuïn D'Haese a une vue légèrement ironique sur 'la comédie humaine', il regarde 'l'homme et sa misère' de manière émotionnelle. Ce qu'il voit et comment il le voit prend vie dans ses sculptures. Il pense en sculptures, il agit en sculptures. Un concept sobre, l'omission du superflu, le contrôle rigide de ses propres émotions, font que l'implication dramatique dans ses sculptures ne déborde pas.

Frank De Vos :
Les bras tendus de Lebuïn D'Haese, qui reviennent dans beaucoup de ses figures, sont frappants ; de longs bras qui sont lancés comme des ancres vers le ciel ouvert.

Les bronzes de femmes de Loes Knoben montrent l'expression, le mouvement et la puissance.

Loes Knoben recherche toujours de bois, de branches et d'écorce, érodé par le vent et les intempéries. Elle y cherche dedans la force, le rythme et l'équilibre. Elle entame un voyage de découverte vers de nouvelles oeuvres d'art.
Les matériaux naturels utilisés laissent leur empreinte dans ses sculptures. Les brindilles de bois deviennent des bras et des jambes.

L'art de Loes Knoben reflète sa vision de la vie, son talent pour observer les gens, déchiffrer leurs sentiments et les traduire en des beaux bronzes expressifs.

Marie Biesmans :
Elle raconte : 'Respectueuse de la nature, j’essaie de traduire mes émotions face à elle. J’ai appris à m’arrêter et m’imprégner de ce que je ressens et transférer toutes ces émotions par l’intermédiaire de mes mains.'


Sujets :
Marie Biemans dit : 'Ma principale inspiration est les cristaux de roche, tant pour leurs couleurs, leurs lumières et aussi leurs structures. Couleurs et mouvements se croisent dans mon travail, laissant libre cours à l’interprétation comme dans un voyage imaginaire.
Mes onstructions créées dans l’instant provoqurnt surprise et fascination.

Sujets :
Marie Thys crée un bestiaire d'une expressivité étonnante qui reflète à la fois un impressionnant travail d'observation, une passion pour l'âme animale et une profonde connaissance de la matière. Elle exploite les qualités du bronze et le revét souvent d'une patine satinée qui accroche la lumière et enveloppe les volumes de douceur. Chacune de ses sculptures révèle une intuition pointue sur l'identité et sur la nature du modèle choisi. L'illusion est d'autant plus grande quelle travaille souvent ses sculptures en grandeur nature.
(L'Evenement - Avril 2007)

Methode :
"J'ai horreur de la banalité", dit Marie Thys, "J'observe beaucoup. Et c'est seulement quand j'ai trouvé l'attitude originale que je croque sur le papier, avant de façonner la figure d'argile ou de cire qui sera coulée en bronze."
Et elle continue: "Il y a toujours chez moi un clin d'cil amusé. J'aime que les gens s'amusent."
(Le jour Huy - Waremme, 21 mai 2007)

Marie Thys raconte aussi: "Au début, je sculptais la terre que je faisais cuire. Certaines personnes souhaitaient acheter mes réalisations mais je ne voulais pas m'en défaire. La seule solution, c'était de passer au bronze, pour lequel on a huit exemplaires numerotes plus quatre épreuves d'artiste.
Le bronze est assez coûteux puisqu'il faut payer la fonderie et Ie moule mais il recèle une part de magie.
On amène sa pièce au fondeur, en terre, en plâtre ou en cire selon le sujet. Puis le résultat nous échappe quelque part puisqu'on n'a pas travaillé cette matière. Une texture très noble, agréable à toucher."
(Libre Essentiel, nov. 2007)

Marja Steinmetz:
En tant qu'artiste visuelle, elle a longtemps travaillé avec le bois, mais elle est depuis des années fascinée par le verre, dont elle a atteint l'apogée avec ses oeuvres d'art colorées et pleines d'imagination.


Verre?
Marja Steinmetz: 'Le verre a une énorme envie de vivre'. Les nombreuses possibilités d'expression et les différentes techniques offertes par le verre constituent pour elle un défi permanent. C'est en combinant ce défi avec son dynamisme et sa passion qu'elle crée ses oeuvres.
Elle combine le moulage du verre dans le sable, le plâtre ou les moules pour créer des oeuvres d'art ludiques.
Le verre est ensuite sablé, meulé, poncé eet poli afin d'obtenir la translucidité souhaitée.


Lumière:
Mais les oeuvres d'art en verre ont besoin de lumière, c'est pourquoi Marja Steinmetz et son mari créent des ornements en cristal de récupération, des abat-jour en verre coloré et des ornements lumineux avec des diodes électroluminescentes (LED). Ils deviennent ainsi des 'champignons' lumineux, colorés et économiques en énergie.

L'escargot

Roland Menten crée de l'art avec une note d'humour qui est souvent en contradiction ou donne une vision inattendue sur notre société stressée et perfectionnée. Il a réalisé toute une oeuvre sur et autour des escargots, des grenouilles, des feuilles, des champignons, ... en bref, la nature. Dans son travail, il donne aux escargots une place d'honneur.

La beauté des oeuvres de Roland Menten est qu'elles évoluent avec la nature.

D'une part, grâce à l'utilisation de surfaces polies ou rugueuses, les lichens deviennent des spectateurs et en même temps participent à l'histoire racontée par l'oeuvre d'art.

D'autre part, par l'utilisation des couleurs différentes, les sculptures conquièrent leur place dans la nature, qui à son tour adoucit cette dominance en incorporant la sculpture dans la végétation.

Les pièces de Roland Menten se sentent chez elles, aussi bien dans un design moderne que dans un intérieur classique, dans un jardin rigide à la française que dans la végétation, mais elles suscitent toujours un sourire. :-)

Luc Schreiden (adapté) :
La principale originalité manifestée par les oeuvres de Toni Kanwa Adikusumah réside dans l'alliance que l'artiste réussit entre les arts premiers et l'art contemporain, entre la profondeur de l'orient et la liberté créative de l'occident. La synthèse à laquelle il parvient sublime les dualités.

Influences :
Toni Kanwa Adikusumah est né à Java, Indonésie. Il a consacré la première partie de sa vie à s'immerger au coeur de plusieurs tribus indigènes où la culture et les arts rituels étaient encore une évidence et une nécessité pour les humains. Sa connaissance des techniques ancestrales et son enracinement spirituel sont exceptionnels. Gradué du Bandung Institute of Technology, il fut pendant plus d'une quinzaine d'années expert en Art tribal pour Sotheby's et Christie's à Jakarta et Bali.

Récemment :
Depuis les années 2000, Toni Kanwa Adikusumah parcourt le monde, se laissant notamment toucher par les influences de la scène artistique européenne. L'artiste nous présente ici une série de sculptures en bois et de réalisations en bronze révélatrices du flux d'énergie vitale résultant de ce chemin hors du commun et de la dualité entre l'Est et l'Ouest.

Garry Kvistad et Woodstock Chimes:
Woodstock Chimes offre une variété unique d'instruments musicaux de haute qualité et abordables qui inspirent, stimulent et apportent du plaisir aux personnes de tous âges. Woodstock Chimes propose une gamme d'instruments de musique reconnus, appelée Woodstock Music Collection. Woodstock Percussion, Inc. a été fondée en 1979 dans la magnifique vallée de l'Hudson, dans l'État de New York, où elle poursuit ses activités aujourd'hui. Le fait d'avoir été fondé par le musicien professionnel Garry Kvistad explique le fort engagement de Woodstock Chimes en faveur d'un réglage fin et d'un son exceptionnel, ce qui rend ses produits attrayants pour tous.