Alain Snyers :
Le poète était inspiré par les oeuvres en verre de Priska Jacobs, une verrière de Suisse. Ses oeuvres montrent des petites maisons d'insectes, - villas, - en verre. Elles sont décorées avec des fenêtres qui montrent l'intérieur des 'villas'. Les oeuvres sont installés dans l'exposition comme des maisons dans un village.
Les poèmes d'Alain Snyers sont des arguments poético-marketing pour ces maisons à vendre.

Burkina Faso :
Pendant un séjour de trois ans au Burkina Faso (Afrique de l'Ouest), Ann Geirnaerdt a eu l'occasion d'expérimenter à plein temps la technique de la cire perdue et le moulage de ces créations en bronze. Cette expérience unique a déterminé son style de travail.

Thémes :
Ann Geirnaerdt aborde à travers ses oeuvres les thèmes de l'homme qui "cherche" continuellement, qui a besoin de connectivité, de sécurité, mais souhaite en même temps garder sa propre force. L'homme qui aspire à une certaine harmonie et veut vivre pleinement dans la vie; parfois vulnérable, parfois fort, toujours à la recherche de son nid douillet, qu'il préfère également partager avec d'autres.

Matière :
Ann Geirnaerdt: 'La particularité de mes oeuvres est l'inspiration que m'apportent les matières naturelles comme de l'écorce, des branches, des légumineuses, par leur forme, leur mouvement et leur structure. Ces matiéres laissent une empreinte dont je m'imprègne avec gratitude et que je façonne.'

Annemarie Petri :
Dans ses œuvres, la réalité, le fantasme et le rêve s'entremêlent. Elle combine des objets qui ne vont pas ensemble en utilisant la technique de collage pour créer des œuvres d'art parfois humoristiques qui invitent à réfléchir.


Technique de collage :
À partir d'objets élémentaires tels que des coquillages, des poissons, des pièces mécaniques et des jouets pour enfants elle crée des moules en caoutchouc. À l'aide de modèles en cire, les différentes pièces sont coulées en bronze, travaillées et finies. Ceux-ci sont ensuite soudés ensemble comme un collage et patinés.
La réalisation d'une telle sculpture demande beaucoup de créativité, prend beaucoup de temps et nécessite beaucoup de savoir-faire.

B. Jane Cowie :
B. Jane Cowie vient du sud de l'Australie et sa carrière dans la conception et la réalisation d'installations en verre l'a amenée à voyager à travers le monde. Jane a récemment contribué à l'environnement bâti de Singapour pendant plus de 10 ans, en installant du verre d'art dans de nombreux espaces publics en plein air.


Process :
B. Jane Cowie is designing, making and installing artworks and large-scale glass installations which are purpose built for private and commercial spaces
It means she now had to work with larger teams of project managers, makers and installers situated in Singapore.

Exhibitions :
Plus récemment, B. Jane Cowie est revenue à une pratique d'exposition plus personnelle à travers une série d'ateliers de méthodologie de recherche et d'expositions à Mittagong, Perth et Canberra - et maintenant "Le Jardin Enchanté", c'est pour la première fois en Belgique et en Europe.

Assemblages de plaques à suspendre : Ouverture sur paysage :

• Les assemblages de disques de Betty Moerenhoudt sont des plaques en grès retravaillées au tour de potier.
• En associant le travail de la plaque et du tournage je crée de nouvelles compositions : transformer, découper, repositionner des éléments pour aboutir à un nouvel équilibre.
• La surface des pièces est empreinte de traces, de textures contrastant avec des parties lisses qui sont accentuées par le choix des émaux.
• Après la seconde cuisson à 1260° qui les rend étanches, elles sont assemblées par Gohar Gabrielyan qui par la technique du macramé et l’utilisation de cordages s’inspire des formes et des ouvertures pour réaliser un travail de nouage en complétant la composition. Les cordages sont faits avec une corde de chanvre synthétique qui peut rester à l’extérieur.
• Au travers des ouvertures on peut voir le paysage qui prend d’autres dimensions.

Captain Bebop & B-Art:
Deux artistes, Raf Roefflaer, un verriere, et Bart Vanderschotun, un sculpteur en acier corten, combinent leur savoir-faire et leurs imagination pour créer des oeuvres humourisqtiques

Texte de Carlo Kockerols (adapté) :
Ce qui me frappe dans l'oeuvre de Daniel Olislaegers, ce qui m'a frappé dès le début, c'est la très grande diversité de créations, diversité qui s'exprime autant par les formes que par les techniques utilisées. A quoi j'ajoute, le côté « perfectionniste» de l'artiste. Ce qu'il fait sort d'une imagination jamais prise en défaut, mais avec le souci de réaliser une oeuvre sans bavure, parfaite.

On peut s'étonner du fait que Daniel Olislaegers n'a commencé sa vie d'artiste que bien tard, à ses 40 ans. Sorti d'une grave crise tant morale que physique, le voilà se reforgeant une personnalité au travers d'une création artistique ardue, ne rechignant pas devant les difficultés. Ce défi il me semble l'avoir magnifiquement affronté, comme en témoigne son oeuvre.
...
La majeure partie de son oeuvre récente réside dans le travail du verre. Il s'est perfectionné dans une technique très peu pratiquée, difficile, notamment celle du verre coulé. La forme de verre ainsi produite au départ d'un moule est alors insérée dans un matériau sculpté lui aussi, pierre de taille ou marbre, bois ou métal, travertin ou terra-nova. Cette juxtaposition de matériaux, parfois très brute, fait qu'aucune oeuvre n'est pareille à l'autre, nous y trouvons une étonnante diversité de formes et de conception.

Chaque oeuvre est le produit d'un concept élaboré avec précision, et s'intitule comme étant un message de civilisations éloignées, perdues, oubliées. Comparons avec ce coffret déposé par les astronautes sur la lune, et destiné à être découvert par des créatures inconnues. Le titre de chaque oeuvre est ainsi une clé. Au spectateur de faire sa part de travail, pour qu'il découvre les secrets cachés de l'oeuvre.

L'oeuvre dans son ensemble est imprégnée d'une créativité et d'une vitalité, qui témoignent de l'effort fait pour dépasser toute épreuve, se dépasser soi-même, dompter la matière. En même temps elle est aussi signe d'une réceptivité à tout ce que peuvent nous apporter les hommes de tous les temps, de tous les horizons.

Dawaa Huizinga-Molom :
Originaire de Mongolie, elle vit et travaille aujourd'hui aux Pays-Bas.
Elle dessine et crée des sculptures en céramique et en bronze.
Elle s'inspire principalement de la nature, de la spiritualité, des animaux et souvent des femmes. Ses oeuvres expriment principalement des femmes qui captent l'imagination.


Ode aux femmes :
Avec ce projet, elle évoque la beauté intérieure des femmes et les formes magnifiques données par la nature
Elle est convaincue que les femmes sont les mères de tous les êtres humains dans notre société moderne.

Glenn Priester:
Il explique : "Je suis un mélange de cultures de par ma naissance et mon éducation". Il a des parents et ancêtres chinois, javanais et néerlandais. Cela lui permet de prendre de la distance par rapport à la culture locale.
"Le mariage des cultures se reflète également dans mon travail. Par exemple, je ne m'en tiens pas toujours au nombre d'or occidental, mais j'utilise également d'autres formats".

Contexte:
Grâce aux cours à l'école navale supérieure de Rotterdam, Glenn Priester a étudié les autres aspects de l'eau, notamment les nuages. Dans les paysages, c'est l'horizontalité qui domine. Dans les 'Luchttekeningen' (paysages aériens), la vue est sur les nuages, donc verticale.

Sujets:
Le paysage marin néerlandais est le thème central de l'oeuvre de Glenn Priester, qu'il représente par des colonnes verticales de zinc allongées et orientées vers les nuages. Influencé par les conditions météorologiques, le métal évolue avec les paysages nuageux et le temps qui change constamment.

Han Lammers:
Qu'est-ce que les mathématiques peuvent nous offrir d'autre que des théorèmes, des nombres et des équations
Ses conceptions rationnelles traduisent des équations mathématiques en œuvres tridimensionnelles tangibles, le plus souvent réalisées en zinc..

Sujets:
L'œuvre géométrique et abstraite de Han Lammers se caractérise par des formes concrètes et pures. En ce sens, il se sent proche du minimalisme et du constructivisme.

Matériaux et techniques:
Parce que les formes géométriques constituent la base de l'œuvre de Han Lammers, les sculptures créées excluent à priori toute forme de coïncidence et donc de surprise.
Son travail se divise en deux catégories : les formes solides et fermées à caractère statique et les formes plus ouvertes et fluides à caractère dynamique (et parfois lyrique).
Le matériau utilisé, le zinc patiné, apporte à la sculpture un aspect à la fois industriel et verifié. Les tons gris et les textures subtiles ajoutent de la profondeur et du caractère aux formes.

Hans Koenen :
Les projets de développement, principalement en Afrique et en Europe de l'Est, a laissé des traces durables et appréciées.


Sujets:
Hans Koenen crée des sculptures féminines en bronze, en pierre ou en combinant les deux.
Elles ont de grandes ouvertures pour créer de la transparence, réduisent leur domination visuelle et s'intégrent dans l'environnement. Elles expriment la fragilité, stimulent la curiosité, la perception et la narration.
Pour les sculptures en bronze, il préfère utiliser les formes et les éléments trouvés dans la nature.

Hermien Buytendijk:
Les sculptures sont souvent réalisées à partir d'une esquisse qui évolue au cours de la création. Il est également possible qu'elles soient modelées d'après un mot ou un titre. Inversement, le titre se présente souvent comme un résultat d'un jeu de questions-réponses avec la sculpture. Ainsi, de nombreuses combinaisons de mots folles sont créées et les sculptures et ses titres sont toujours différentes et uniques.

Les sculptures sont creuses, construites avec des bandes d'argile (grès ou porcelaine) qui sont pétries et bosselées. Souvent, Hermien Buytendijk travaille simultanément aux plusieurs sculptures à différents stades de développement.
Elles sont d'abord peintes à l'aide des feuillets de couleur entaillés dans l'argile et ensuite cuits au four à 900 degrés. Ils sont ensuite frottés avec des colorants à base de poudres métalliques, puis émaillés et cuits à un minimum de 1200 degrés et souvent suivi d'une cuisson à 800 degrés pour bruler un peu d'or.

Hermien Buytendijk pour Galerie 'T':
Hermien met la vie en perspective grâce à des sculptures en céramique qui balancent entre rêve et réalité.

Ses sculptures font souvent quelque chose qui n'est pas tout à fait possible, elles semblent simplement échapper à la réalité mais en donnant à elle une impression très nette. Avec humour et double sens, Hermien Buytendijk crée des créatures que tout le monde reconnaitra avec le sourire. Les figures humaines et animales se mêlent aux instruments de musique et aux objets différentes pour former des pièces uniques et originales et chaque sculpture reçoit un nom propre.

Les sculptures sont nées d'une fantaisie inspirée de la vie, tous différents et surprenants.
Les sculptures sont souvent placées sur des piédestaux de bois ou de pierre qui sont décorés de manière correspondante.
Les oeuvres reçoivent des couleurs de la terre avec des touches d'or et des éléments graphiques.

Ioannis Konsolakis:
Il dit : "Cherchant toujours à crée depuis mon plus jeune âge, passant par le dessin au crayon de corps et d'animaux, de structures, de bâtiments, … ."
"J'ai toujours eu de l'intérêt et de la curiosité pour les œuvres dont j'avais ce besoin de ressentir."
"Ayant du mettre tout en pause pendant de longues, de très longues années, maintenant, le temps de recrée est là."

Vision artistique :
Ioannis Konsolakis veut utiliser le concept de structures géométriques pour capter les sentiments des visiteurs. Quel plaisir pour lui !

Une quadrilogie sculpturale :
Ioannis Konsolakis a créé avec 'Le Cerf', 'Iratus taurus', 'L'Insouciante' et 'La Chute de Lucifer' une quadrilogie sculpturale. Chacune de ces quatre sculptures incarne ou incarnera un sentiment particulier à un moment déterminé de sa vie. Elles sont imprégnées d'une positivité difficile à maintenir.
Ces sculptures sont comme des totems pour lui, des symboles de guérison progressive. Le but recherché dans ces quatre sculptures est d'atteindre une guérison, de franchir un cap.
Ces sculptures amèneront les visiteurs à se questionner sur le pourquoi.

Le travail d’Isabelle Wallemacq peut se résumer par le poème 'Éclosion' écrit par Bernadette Gérard-Vroman qui est inspiré par l'œuvre 'Éclosion' d'Isabelle Wallemacq.

L’œuvre s’invite
À l’Éden de mes rêves
Que je cultive depuis ma naissance
Dans un nid azurite.
Solide
Je me tiens
Les jambes en tailleur.
Le cosmos me renvoie
Le soupir d’une comète
Vibrations de Stephen Sicard.
J’accueille la lumière
Qui enfante
De l’éclat des chakras.
Les graines ont germé,
Les couleurs explosent,
Fusion de l’âme et du verre,
La créativité est féconde,
Fruit d’un amour :
Une fleur éclot
Dans ce Jardin Enchanté.

Tone Aanderaa:
Jan Verschueren trouve des morceaux de métal, des restes d'objets, des déchets et de la belle ferraille. Il les soude, parfois de manière apparemment aléatoire ou négligente, parfois de manière soigneusement planifiée.
Un nouveau monde se développe, de nouvelles machines sont créées, puis habitées.

Le résultat est fantastique, ludique, plein d'humour, et puis il y a ce sentiment presque indescriptible, une tristesse, une mélancolie, mais certainement humain.

Tout ce qui en fait de la poésie.
Et, comme pour la plupart des artistes poétiques, les titres sont importants.

Jan Verschueren joue avec les sens, et il joue avec les mots d'une manière des plus charmantes !

Au cours de ma carrière de restaurateur de vitraux, exercée principalement dans les églises, j'ai eu l'occasion quelques rares fois de travailler sur des morceaux de verre qui furent réalisés à l'aide de pochoirs. La technique naît au XIVème siècle, quand les vitraux commencent à perdre, petit à petit, leur usage premier et se mettent au service des différents pouvoirs en place sous forme de blasons représentant les familles influentes de l'époque. Le fond du vitrail, sert alors uniquement à mettre en valeur les blasons : il est composé de motifs végétaux répétitifs ("damasse") ou de motifs géométriques à résilles serrées ("cages de mouches"). Pour ces fonds répétés des centaines de fois dans la verrière, les verriers utilisent les mêmes pochoirs réalisés en plomb ou en zinc par des dinandiers. Leur usage n'est pas commun : il a été délaissé aux XVIIème et XVIIIème siècles, a retrouvé un regain d'intérêt de la part des maîtres verriers au XIXème siècle pour être complètement oublié au XXème siècle. Je n'ai jamais aimé le verbe "perdre" et encore moins "technique perdue/disparue". Je pense au mot de Pascal Quignard : "Les arts n'ont pas pour destin, comme fait l'histoire, d'organiser l'oubli. Ni d'engloutir le savoir d'autrefois. Ni d'anéantir l'ailleurs du temps."

Jean-Luc Absil (texte adapté):
Il crée ses sculptures en argile et en cire en réalisant les coulées en bronze et en résine.

Il a le souci du détail, il est dans la recherche constante de l'élégance, de l'émotion que suscite le corps féminin dans sa réserve ou sa provocation.

La sensualité naturelle de la Femme qu'il représente incite le spectateur à un regard serein dans le respect de la nudité.

En magnifiant, voire en divinisant son sujet, il touche au Féminin Sacré.
Jean-Luc Absil tente d'atteindre l'image totale de la Déesse Femme.

Sujet :
Nées du regard de l'homme, de son rêve ou de son fantasme, les sculptures de Jean-Luc Absil dégagent une sensualité naturelle qui leur confère un érotisme respectueux.

C'est la représentation de la Femme, triomphante de féminité, arborant la fierté de disposer de son corps, et gardant en réserve son pouvoir de séduction.

Laurence Hollanders :
'J'aime le contact direct de la matière pigmentée du pastel sec où le trait se prolonge dans un camailleux de coloris saupoudrés comme du sable fin.

Sujets :
Laurence Hollanders raconte: 'Depuis toujours fascinée par la nature, j’essaye d’intérioriser l’énergie, l’harmonie, la beauté, l’émotion qui se dégagent du motif pour m’en imprégner.
Je cherche à restituer ces instants de couleurs, de traits, de lumière et d’ombre, ces formes qui deviennent miennes dans une atmosphère intime et qui reflètent ces moments privilégiés de méditation.
Je deviens ce que je vois.'

Vision :
À travers son oeuvre, Lebuïn D'Haese communique avec le public, lui donnant un aperçu de sa pensée. Pour lui, 'être un artiste' n'est pas sans obligation. L'art pour l'art n'est rien pour lui. Il est un artiste engagé qui n'a qu'un seul sujet : l'être humain. (Gui Kestens)

Luc Clerinx :
Lebuïn D'Haese a une vue légèrement ironique sur 'la comédie humaine', il regarde 'l'homme et sa misère' de manière émotionnelle. Ce qu'il voit et comment il le voit prend vie dans ses sculptures.
Il pense en sculptures, il agit en sculptures. Un concept sobre, l'omission du superflu, le contrôle rigide de ses propres émotions, font que l'implication dramatique dans ses sculptures ne déborde pas.

Frank De Vos :
Les bras tendus de Lebuïn D'Haese, qui reviennent dans beaucoup de ses figures, sont frappants ; de longs bras qui sont lancés comme des ancres vers le ciel ouvert.

Les bronzes de femmes de Loes Knoben montrent l'expression, le mouvement et la puissance.

Loes Knoben recherche toujours de bois, de branches et d'écorce, érodé par le vent et les intempéries. Elle y cherche dedans la force, le rythme et l'équilibre. Elle entame un voyage de découverte vers de nouvelles oeuvres d'art.
Les matériaux naturels utilisés laissent leur empreinte dans ses sculptures. Les brindilles de bois deviennent des bras et des jambes.

L'art de Loes Knoben reflète sa vision de la vie, son talent pour observer les gens, déchiffrer leurs sentiments et les traduire en des beaux bronzes expressifs.

Marianne Barbier :
Elle consacre son temps et son talent à la création de 'drôles de zoiseaux' en céramique. Elle les façonne tous à la main et les colore selon son inspiration du moment ... ce qui les rend souvent marrants.

Des drôles d’oiseaux :
Les oiseaux de Marianne Barbier sont des reproductions d’espèces existantes en Belgique : des grues, des pigeons, des chouettes, des chevaliers… Mais pas des reproductions fidèles. Elle laisse son imagination les réinventer. Beaucoup de ses oiseaux – elle en a fait naître plus de 1000 – ont des couleurs vives et audacieuses, des motifs qui captivent l’oeil, tandis que d’autres adoptent des tons plus doux, se fondant parfaitement dans le décor naturel d’un jardin. Cette diversité reflète la richesse de la nature et la diversité des espèces qui peuplent nos jardins.

Technique :
Chaque oiseau est le résultat d’un processus minutieux. Marianne Barbier commence par modeler l’argile de ses doigts en veillant à capturer l’essence de chaque oiseau. Ensuite, elle procède à une première cuisson par basse température pour solidifier la forme. La phase suivante consiste à peindre les oiseaux avec des émaux colorés avant une seconde cuisson à haute température, qui fixe les couleurs et donne à la céramique son aspect brillant.
La cuisson à basse température de ses créations empêche aux couleurs de 'fondre' mais rend les oiseaux plus fragiles que cuits à haute température. Voilà pourquoi, les 'drôles de zoiseaux' ne peuvent pas passer l’hiver au jardin.
Adaption des textes sur le site web de RTBF
www.rtbf.be/article/des-droles-de-zoiseaux-au-jardin-11426047

Marie Biesmans :
Elle raconte : 'Respectueuse de la nature, j’essaie de traduire mes émotions face à elle. J’ai appris à m’arrêter et m’imprégner de ce que je ressens et transférer toutes ces émotions par l’intermédiaire de mes mains.'


Sujets :
Marie Biemans dit : 'Ma principale inspiration est les cristaux de roche, tant pour leurs couleurs, leurs lumières et aussi leurs structures. Couleurs et mouvements se croisent dans mon travail, laissant libre cours à l’interprétation comme dans un voyage imaginaire.
Mes onstructions créées dans l’instant provoqurnt surprise et fascination.

Sujets :
Marie Thys crée un bestiaire d'une expressivité étonnante qui reflète à la fois un impressionnant travail d'observation, une passion pour l'âme animale et une profonde connaissance de la matière. Elle exploite les qualités du bronze et le revét souvent d'une patine satinée qui accroche la lumière et enveloppe les volumes de douceur. Chacune de ses sculptures révèle une intuition pointue sur l'identité et sur la nature du modèle choisi. L'illusion est d'autant plus grande quelle travaille souvent ses sculptures en grandeur nature.
(L'Evenement - Avril 2007)

Methode :
"J'ai horreur de la banalité", dit Marie Thys, "J'observe beaucoup. Et c'est seulement quand j'ai trouvé l'attitude originale que je croque sur le papier, avant de façonner la figure d'argile ou de cire qui sera coulée en bronze."
Et elle continue: "Il y a toujours chez moi un clin d'cil amusé. J'aime que les gens s'amusent."
(Le jour Huy - Waremme, 21 mai 2007)

Marie Thys raconte aussi: "Au début, je sculptais la terre que je faisais cuire. Certaines personnes souhaitaient acheter mes réalisations mais je ne voulais pas m'en défaire. La seule solution, c'était de passer au bronze, pour lequel on a huit exemplaires numerotes plus quatre épreuves d'artiste.
Le bronze est assez coûteux puisqu'il faut payer la fonderie et Ie moule mais il recèle une part de magie.
On amène sa pièce au fondeur, en terre, en plâtre ou en cire selon le sujet. Puis le résultat nous échappe quelque part puisqu'on n'a pas travaillé cette matière. Une texture très noble, agréable à toucher."
(Libre Essentiel, nov. 2007)

Marja Steinmetz:
En tant qu'artiste visuelle, elle a longtemps travaillé avec le bois, mais elle est depuis des années fascinée par le verre, dont elle a atteint l'apogée avec ses oeuvres d'art colorées et pleines d'imagination.


Verre?
Marja Steinmetz: 'Le verre a une énorme envie de vivre'. Les nombreuses possibilités d'expression et les différentes techniques offertes par le verre constituent pour elle un défi permanent. C'est en combinant ce défi avec son dynamisme et sa passion qu'elle crée ses oeuvres.
Elle combine le moulage du verre dans le sable, le plâtre ou les moules pour créer des oeuvres d'art ludiques.
Le verre est ensuite sablé, meulé, poncé eet poli afin d'obtenir la translucidité souhaitée.


Lumière:
Mais les oeuvres d'art en verre ont besoin de lumière, c'est pourquoi Marja Steinmetz et son mari créent des ornements en cristal de récupération, des abat-jour en verre coloré et des ornements lumineux avec des diodes électroluminescentes (LED). Ils deviennent ainsi des 'champignons' lumineux, colorés et économiques en énergie.

Marja Thijssen :
Elle raconte : 'À l'âge de 16 ans, j'ai découvert l'argile pour la première fois lors d'une excursion chez les religieuses à Helmond. Elles y avaient un atelier de poterie. J'y ai fabriqué mon premier petit pot et j'ai même pu choisir la couleur de la glaçure. Fière de mon petit pot, je suis venue le chercher quelques semaines plus tard et je l'ai toujours conservé comme un trésor.'


Bestioles brunes :
Les « animaux » de Marja Thijssens ont des caractéristiques humaines. Certains forment une chorale, d'autres ont des queues étranges et des têtes bizarres. Ils ont une touche humoristique, ils veulent surtout vous faire sourire. Mon imagination me montre le chemin. Le vernis rouge subtilement appliqué renforce la simplicité.

Argile à papier :
Depuis 2005, Marja Thijssen s'est spécialisée dans le travail de l'argile à papier.
Elle est fabriquée en mélangeant de l'argile ordinaire avec des fibres de papier. Elle est beaucoup plus résistante et permet de travailler avec des couches plus fines, ce qui permet de créer des sculptures grandes et légères.

Peter Bergenhenegouwen:
Il essaie de représenter dans ses sculptures sa vision à popos de l'homme et les problèmes des gens qui l'entourent. Ses oeuvres oscillent entre le figuratif et l'abstrait grâce à leurs aspects minimalistes.


Sujets:
Peter Bergenhenegouwen réalise des sculptures universelles et intemporelles qui situent l'homme dans son environnement. Dans ses oeuvres, il réduit l'utilisation de matériaux et d'éléments, appliquant ainsi la philosophie du 'rasoir d'Ockham' dans ses sculptures.

Régine Dulière :
Elle a d’abord un bagage 'floral' ou plutôt 'végétal' qui l’ont certainement aidé à sentir équilibre, rythme, volume, contraste, et à continuer à tenter des expériences, de nouveaux matériaux, de nouvelles techniques.

Les monumentales :
Régine Dulière a ensuite réalisé des pièces de dimensions plus importantes ; notamment en ayant la chance de dessiner et veiller à la réalisation d’un nouvel autel pour la chapelle de l’hôpital de Mont-Godinne. L’aumônier désirant y intégrer une sculpture porteuse d’un message, réalisé en s’inspirant d’un poème d’Henry Moore.

L'acier Corten :
Lors d’ateliers d’Art Floral, Régine Dulière fit appel à un ferronnier ouvert à ses projets et élucubrations. En poussant ce projet plus loin et, en travaillant conjointement, ils ont pu ensemble pu créer de grandes sculptures métalliques, d’abord en acier perforé peint, ensuite en acier Corten, ne nécessitant aucun traitement.

L'escargot

Roland Menten crée de l'art avec une note d'humour qui est souvent en contradiction ou donne une vision inattendue sur notre société stressée et perfectionnée. Il a réalisé toute une oeuvre sur et autour des escargots, des grenouilles, des feuilles, des champignons, ... en bref, la nature. Dans son travail, il donne aux escargots une place d'honneur.

La beauté des oeuvres de Roland Menten est qu'elles évoluent avec la nature.

D'une part, grâce à l'utilisation de surfaces polies ou rugueuses, les lichens deviennent des spectateurs et en même temps participent à l'histoire racontée par l'oeuvre d'art.

D'autre part, par l'utilisation des couleurs différentes, les sculptures conquièrent leur place dans la nature, qui à son tour adoucit cette dominance en incorporant la sculpture dans la végétation.

Les pièces de Roland Menten se sentent chez elles, aussi bien dans un design moderne que dans un intérieur classique, dans un jardin rigide à la française que dans la végétation, mais elles suscitent toujours un sourire. :-)

Luc Schreiden (adapté) :
La principale originalité manifestée par les oeuvres de Toni Kanwa Adikusumah réside dans l'alliance que l'artiste réussit entre les arts premiers et l'art contemporain, entre la profondeur de l'orient et la liberté créative de l'occident. La synthèse à laquelle il parvient sublime les dualités.

Influences :
Toni Kanwa Adikusumah est né à Java, Indonésie. Il a consacré la première partie de sa vie à s'immerger au coeur de plusieurs tribus indigènes où la culture et les arts rituels étaient encore une évidence et une nécessité pour les humains. Sa connaissance des techniques ancestrales et son enracinement spirituel sont exceptionnels. Gradué du Bandung Institute of Technology, il fut pendant plus d'une quinzaine d'années expert en Art tribal pour Sotheby's et Christie's à Jakarta et Bali.

Récemment :
Depuis les années 2000, Toni Kanwa Adikusumah parcourt le monde, se laissant notamment toucher par les influences de la scène artistique européenne. L'artiste nous présente ici une série de sculptures en bois et de réalisations en bronze révélatrices du flux d'énergie vitale résultant de ce chemin hors du commun et de la dualité entre l'Est et l'Ouest.

Garry Kvistad et Woodstock Chimes:
Woodstock Chimes offre une variété unique d'instruments musicaux de haute qualité et abordables qui inspirent, stimulent et apportent du plaisir aux personnes de tous âges. Woodstock Chimes propose une gamme d'instruments de musique reconnus, appelée Woodstock Music Collection. Woodstock Percussion, Inc. a été fondée en 1979 dans la magnifique vallée de l'Hudson, dans l'État de New York, où elle poursuit ses activités aujourd'hui. Le fait d'avoir été fondé par le musicien professionnel Garry Kvistad explique le fort engagement de Woodstock Chimes en faveur d'un réglage fin et d'un son exceptionnel, ce qui rend ses produits attrayants pour tous.