Abou Sidibé :
Formé au Centre Technique des Arts de Bingerville, Abou Sidibé obtient un Brevet Technique des arts appliqués en 1999.
Depuis 2004, Abou Sidibé présente son travail dans le cadre d'expositions personnelles et collectives au Burkina Faso et dans le monde, telles que le centre colombo Americano de Medellin- Colombie (2004), Burkin'art à Avignon(2015), la BISO à Ouagadougou (2019 et 2021).

Il participe à des workshops comme ceux organisés par l'Institut francais et le Goethe Institut de Ouagadougou, en 2015 dans un quartier peripherique et en 2018 au Musée national du Burkina Faso.

Oeuvres :
Dans son atelier à Ouagadougou Abou Sidibé crée des formes faites de bois, de métaux et d'objets manufacturés de toutes origines. Ses totems, les grigris, les seaux faits d'agrégats d'objets, ses installations éphémères, projettent sa vision du brassage d'un monde universel.

Thèmes :
La démarche d'Abou sidibé s'inscrit dans la recherche permanente d'un équilibre, base fondamentale de l'épanouissement de l'humanité, dont la dimension spitituelle fait pleinement partie, quelque soit l'environnement professionnel, social ou culturel dans lequel on vit. Dans une volonté d'exalter l'esprit de la matière, le travail d'Abou Sidibé se nourrit de ses racines africaines et de croyances universelles.

Delia Bremer, Hoogeveensche Courant (bewerkt):
"Adje Martens a travaillé comme charpentier, et la musique et le théâtre ont toujours joué un grand rôle dans sa vie. Dans ses sculptures, nous voyons une combinaison de tout cela; car il travaille avec des matériaux comme l'acier, le bois et les pierres, et les mélange souvent avec des 'déchets' récupérés. Beaucoup de ses sculptures bougent, et chacune fait partie d'une histoire plus grande - souvent en cours - en série."

Alameezo :
Le répertoire d'Alameezo se compose de chansons contemporaines de, par exemple. Barbara, John Kerkorrel, Rufus Wainwright, Oblomov, Charles Trenet,... . Ils ne chantent pas de la musique pop, mais plutôt de la chanson (française, néerlandaise et autres langues)..

Le choeur de Leuven se compose d'une dizaine de voix et est dirigé par Luc Wynants.


Le concert :
Le concert d'Alameezo se déroule en trois parties, à différents endroits du jardin :

• 'Une quête d'amour et de bonheur' avec des chansons en anglais, français, néerlandais et sud-africain
• 'En route, mais aussi s'arrêté' avec des chansons en français, néerlandais et espagnol
• 'Clair-obscur' avec des chansons françaises, néerlandaises, espagnoles et sud-africaines

Ale Moshenek:
Her education is as impressive as her glass work: a master in Cultural Management from the Universidad Politécnica Salesiana (UPS), with a dissertation focused on the History of Glass in Ecuador and its context in Latin America. Graduated in education, art curator, graphic designer and glass artist.

Burkina Faso :
Pendant un séjour de trois ans au Burkina Faso (Afrique de l'Ouest), Ann Geirnaerdt a eu l'occasion d'expérimenter à plein temps la technique de la cire perdue et le moulage de ces créations en bronze. Cette expérience unique a déterminé son style de travail.

Thèmes :
Ann Geirnaerdt aborde à travers ses Âœuvres les thèmes de l'homme qui "cherche" continuellement, qui a besoin de connectivité, de sécurité, mais souhaite en même temps garder sa propre force. L'homme qui aspire une certaine harmonie et veut vivre pleinement dans la vie; parfois vulnérable, parfois fort, toujours à la recherche de son nid douillet, qu'il préfère également partager avec d'autres.

Matière :
La particularité de mes Âœuvres est l'inspiration que m'apportent les matières naturelles comme de l'écorce, des branches, des légumineuses, par leur forme, leur mouvement et leur structure. Ces matières laissent une empreinte dont je m'imprègne avec gratitude et que je façonne.

B. Jane Cowie :
B. Jane Cowie vient du sud de l'Australie et sa carrière dans la conception et la réalisation d'installations en verre l'a amenée à voyager à travers le monde. Jane a récemment contribué à l'environnement bâti de Singapour pendant plus de 10 ans, en installant du verre d'art dans de nombreux espaces publics en plein air.


Process :
B. Jane Cowie is designing, making and installing artworks and large-scale glass installations which are purpose built for private and commercial spaces
It means she now had to work with larger teams of project managers, makers and installers situated in Singapore.

Exhibitions :
Plus récemment, B. Jane Cowie est revenue à une pratique d'exposition plus personnelle à travers une série d'ateliers de méthodologie de recherche et d'expositions à Mittagong, Perth et Canberra - et maintenant "Le Jardin Enchanté", c'est pour la première fois en Belgique et en Europe.

Brigitte de Callataÿ:
Elle est musicienne de formation, violoniste et altiste professionnelle. Elle aime à transmettre des émotions. Jouer de la musique et sculpter, c'est transmettre des émotions, dit-elle.



Émotions :
Brigitte de Callataÿ; 'Un public ravi après un concert procure moi un sentiment de bonheur. J'éprouve également ce sentiment lorsque ma sculpture touche quelqu'un. La particularité de la sculpture est que les oeuvres défient le temps. Cette oeuvre me suivra dans l'éternité. C'est une pensée bouleversante.'

Captain Bebop & B-Art:
Deux artistes, Raf Roefflaer, un verriere, et Bart Vanderschotun, un sculpteur en acier corten, combinent leur savoir-faire et leurs imagination pour créer des oeuvres humourisqtiques

Catherine Millet raconte :
Chaque pièce raconte une histoire, mais les pièces ensemble racontent aussi une histoire

La sculpture :
Catherine Millet se lance dans la sculpture en développant une technique personnelle alliant différents matériaux, technique qui lui prendra plusieurs années de travail et de recherches pour développer et affiner ses oeuvres.

Thème :
Les sculptures de Cathereine Millet sont comme des illustrations. Elles nous racontent une histoire à chaque fois différente ou l' homme est perçu comme un explorateur solitaire du monde, un rêveur, un poète à la recherche d'un idéal. Il va de rencontres en rencontres, perché sur les roues du destin. Il aime découvrir chaque face de cet univers, en mutation constante, le portant parfois à bout de bras ou le survolant pour mieux le comprendre.

Charlotte Chicot & Sophie Messenger :
Deux verriers de Chartres ont uni leurs compétences pour créer une œuvre unique pour "Le Jardin Enchanté".


Pièce unique pour 'Le Jardin Enchanté' :
Inspiration:
Le mouvement des plaques tectoniques terrestres, dans les zones de divergences, provoquent des rifts, ou failles transformantes.
Dans l’organisme, le kinétochore est un assemblage moléculaire complexe qui intervient, tel une machine, dans la division des chromosomes lors de la mitose et les entraînent vers les pôles. Dans ces deux exemples, le mouvement d’éloignement est transformatoire, générateur de vie, créateur de nouveaux paysages… nous aimerions penser que dans le domaine émotionnel il peut également en être ainsi. Laisser les mouvements se faire, se découvrir de plus en plus complexe, complet.

Technique :
Christian Delory a commencé à réaliser des têtes avec des rondelles d'acier inoxydable sur un fond de cuivre poli miroir.
Pour l'année du verre, il a eu l'idée de réaliser les coiffes en vitrail.
Il a ensuite ajouté un rétroéclairage "LED RGB" qui peut être ajusté automatiquement ou réglé sur la couleur souhaitée à l'aide d'un bouton poussoir situé sous la sculpture.

Christien Dutoit :
Ses sculptures en céramique vivent dans une monde parallèle, dans des scène d'apparence mythique qui témoigne d'une humanité en quête de bonheur au cours d'une vie trop courte.

Texte de Carlo Kockerols (adapté) :
Ce qui me frappe dans l'oeuvre de Daniel Olislaegers, ce qui m'a frappé dès le début, c'est la très grande diversité de créations, diversité qui s'exprime autant par les formes que par les techniques utilisées. A quoi j'ajoute, le côté « perfectionniste» de l'artiste. Ce qu'il fait sort d'une imagination jamais prise en défaut, mais avec le souci de réaliser une oeuvre sans bavure, parfaite.

On peut s'étonner du fait que Daniel Olislaegers n'a commencé sa vie d'artiste que bien tard, à ses 40 ans. Sorti d'une grave crise tant morale que physique, le voilà se reforgeant une personnalité au travers d'une création artistique ardue, ne rechignant pas devant les difficultés. Ce défi il me semble l'avoir magnifiquement affronté, comme en témoigne son oeuvre.
...
La majeure partie de son oeuvre récente réside dans le travail du verre. Il s'est perfectionné dans une technique très peu pratiquée, difficile, notamment celle du verre coulé. La forme de verre ainsi produite au départ d'un moule est alors insérée dans un matériau sculpté lui aussi, pierre de taille ou marbre, bois ou métal, travertin ou terra-nova. Cette juxtaposition de matériaux, parfois très brute, fait qu'aucune oeuvre n'est pareille à l'autre, nous y trouvons une étonnante diversité de formes et de conception.

Chaque oeuvre est le produit d'un concept élaboré avec précision, et s'intitule comme étant un message de civilisations éloignées, perdues, oubliées. Comparons avec ce coffret déposé par les astronautes sur la lune, et destiné à être découvert par des créatures inconnues. Le titre de chaque oeuvre est ainsi une clé. Au spectateur de faire sa part de travail, pour qu'il découvre les secrets cachés de l'oeuvre.

L'oeuvre dans son ensemble est imprégnée d'une créativité et d'une vitalité, qui témoignent de l'effort fait pour dépasser toute épreuve, se dépasser soi-même, dompter la matière. En même temps elle est aussi signe d'une réceptivité à tout ce que peuvent nous apporter les hommes de tous les temps, de tous les horizons.

Emma Butler-Cole Aiken:
Elle a découvert que les techniques traditionnelles du vitrail sont également parfaitement adaptées à la création d'oeuvres d'art sculpturales robustes dans les jardins. Chaque aspect du matériau et de la construction, - du plomb de protection aux détails peints au four, - résiste pendant plus de cent ans dans un vitrail de cathédrale, alors pourquoi pas dans un jardin ?

Eveline Bekkering:
Ses sculptures disent plus que des mots. Elles expriment un sentiment, une émotion qui est universelle et qui peut être ressentie et reconnue par tout le monde.br>

Evelyn Hamoir :
Parallèlement à sa carrière d'enseignante, elle s'est consacrée au dessin, et, depuis quelques années à la sculpture.
Élève de la célèbre sculpteure chinoise Luo Li Rong, elle travaille actuellement dans son propre atelier et suit des cours de taille de pierre chez Véronique Choppinet.

Sujets :
Au départ de l'argile ou de la cire, sa recherche est essentiellement axée sur la capture d'instantanés exprimant un état d'âme, un moment fugitif, une émotion.
Le spectateur remarque d'emblée la finesse et l'expression des visages ainsi que les mouvements des corps, l'invitant à un dialogue sur ce qui les interroge.

Technique :
Après l'étape du moulage et du bronze à la cire perdue, elle travaille en collaboration avec des fonderies en Italie (Pietrasanta) et en Belgique (Lens, Tubize et Gand).
Plusieurs pièces sont également réalisées en terre cuite. Celles-ci sont alors patinées de façon originale, utilisant de nouvelles manières de faire revivre la sculpture.

Florence Ruzicka :
Recherche des méthodes, des techniques et des matériaux pour exprimer ses émotions.

Helen Twigge-Molecey:
Artiste et designer reconnue, elle aime travailler sur différents supports, en particulier le verre. Elle s'intéresse à la manière dont on peut changer les choses par le biais d'une expérience positive. Son travail est sous-tendu par le désir de le rendre beau, simple, accessible et amusant.

Design:
L'oeuvre de Hendrike Huijsmans se caractérise par son caractère ouvert, ses couleurs vives et ses lignes claires, épurées mais fluides. Ils montrent le mouvement et la vivacité.

Abstrait mais organique :
Hendrike Huijsmans aime à créer des structures abstraites. Les formes organiques libres qui semblent croître et chercher leur chemin la fascinent énormément.
Les oeuvres, presque toujours colorées et monumentales, ont une impact positive aux visiteurs

Combinaison de matériaux :
Hendrike Huijsmans aime travailler avec l'acier, le verre et le polyester et leurs combinaisons. Les possibilités de forme et de couleur de ces matériaux sont presque illimitées.
Ils sont donc très adaptés à la création des sculptures fluides et libres qu'elle souhaite montrer.

Heren4:
Il s'agit d'un collectif de quatre frères créateurs actifs de Tilburg avec une mission artistique. Nous réalisons des installations et des sculptures et travaillons ensemble de manière irrégulière depuis plusieurs années. Dans notre travail associatif, nous essayons d'aborder la tragédie de la condition humaine. Souvent avec humour, jamais sans engagement.

Hermien Buytendijk:
Les sculptures sont souvent réalisées à partir d'une esquisse qui évolue au cours de la création. Il est également possible qu'elles soient modelées d'après un mot ou un titre. Inversement, le titre se présente souvent comme un résultat d'un jeu de questions-réponses avec la sculpture. Ainsi, de nombreuses combinaisons de mots folles sont créées et les sculptures et ses titres sont toujours différentes et uniques.

Les sculptures sont creuses, construites avec des bandes d'argile (grès ou porcelaine) qui sont pétries et bosselées. Souvent, Hermien Buytendijk travaille simultanément aux plusieurs sculptures à différents stades de développement.
Elles sont d'abord peintes à l'aide des feuillets de couleur entaillés dans l'argile et ensuite cuits au four à 900 degrés. Ils sont ensuite frottés avec des colorants à base de poudres métalliques, puis émaillés et cuits à un minimum de 1200 degrés et souvent suivi d'une cuisson à 800 degrés pour bruler un peu d'or.

Hermien Buytendijk pour Galerie 'T':
Hermien met la vie en perspective grâce à des sculptures en céramique qui balancent entre rêve et réalité.

Ses sculptures font souvent quelque chose qui n'est pas tout à fait possible, elles semblent simplement échapper à la réalité mais en donnant à elle une impression très nette. Avec humour et double sens, Hermien Buytendijk crée des créatures que tout le monde reconnaitra avec le sourire. Les figures humaines et animales se mêlent aux instruments de musique et aux objets différentes pour former des pièces uniques et originales et chaque sculpture reçoit un nom propre.

Les sculptures sont nées d'une fantaisie inspirée de la vie, tous différents et surprenants.
Les sculptures sont souvent placées sur des piédestaux de bois ou de pierre qui sont décorés de manière correspondante.
Les oeuvres reçoivent des couleurs de la terre avec des touches d'or et des éléments graphiques.

Jack van Iwaarden de Vreede :
Le travail à temps plein devient de l'art.
Pendant des années, l'art a été un hobby qu'il a pratiqué parallèlement à son travail. Finalement, l'art a pris une telle place dans sa vie qu'il en a fait sa profession.
Sous la guidance du célèbre sculpteur Mat Snijder de Venlo, il a développé ses compétences et affiné sa technique. Au début, il réalisait principalement des sculptures en marne et en marbre.


Méthode :
Après avoir expérimenté différents matériaux, Jack van Iwaarden a décidé que les œuvres d'art en métal reflétaient le mieux ses sentiments.
C'est un défi d'utiliser des matériaux froids, inflexibles, durs et imprévisibles pour créer un art fragile et doux, pour former ce qu'il veut montrer de son propre cœur, à représenter des rêves qui ne méritent pas de rester des rêves.

Jan Falta:
Il a suivi l'Ecole du verre de Novy Bor, qui est le centre traditionnel de la verrerie tchèque.
Son répertoire en verre comprend une gamme impressionnante d'oeuvres sculpturales et d'objets d'art décoratifs uniques et de toutes tailles, ainsi que des collections de verre faites à la main en éditions limitées.

Janneke Bruines:
Sans exception, ses femmes sont belles, élégantes et assurées. Mais elles restent secrètes, elles ne se dévoilent pas.

Jean de la Kethulle :
Il est fasciné par les paysages qu'il met en évidence en créant des monolithes comportant une sorte de hublot, de fenêtre invitante pour (re)découvrir la splendeur des plantes spontanées et/ou cultivées. Le travail de la terre crue est au centre de sa recherche conceptuelle. La face lisse de ses pièces invite des autres artistes à créer ... pour encore davantage favoriser le dialogue avec la nature.

Mèthode de travail :
Pour le moulage des éléments, Jean de la Kethule a créé un moule dans une couche de terre limoneuse bien compactée. Après avoir rempli le moule d'un mélange de granulats et de ciment, les surfaces encore visibles sont structurées. Les autres surfaces contiennent de la terre crue qui, avec le temps, s'éroderont lentement et seront recouvertes de lichens et de végétation. Le moule ne peut être utilisé qu'une seule fois et un nouveau moule est nécessaire pour chaque élément de l'installation.

Au cours de ma carrière de restaurateur de vitraux, exercée principalement dans les églises, j'ai eu l'occasion quelques rares fois de travailler sur des morceaux de verre qui furent réalisés à l'aide de pochoirs. La technique naît au XIVème siècle, quand les vitraux commencent à perdre, petit à petit, leur usage premier et se mettent au service des différents pouvoirs en place sous forme de blasons représentant les familles influentes de l'époque. Le fond du vitrail, sert alors uniquement à mettre en valeur les blasons : il est composé de motifs végétaux répétitifs ("damasse") ou de motifs géométriques à résilles serrées ("cages de mouches"). Pour ces fonds répétés des centaines de fois dans la verrière, les verriers utilisent les mêmes pochoirs réalisés en plomb ou en zinc par des dinandiers. Leur usage n'est pas commun : il a été délaissé aux XVIIème et XVIIIème siècles, a retrouvé un regain d'intérêt de la part des maîtres verriers au XIXème siècle pour être complètement oublié au XXème siècle. Je n'ai jamais aimé le verbe "perdre" et encore moins "technique perdue/disparue". Je pense au mot de Pascal Quignard : "Les arts n'ont pas pour destin, comme fait l'histoire, d'organiser l'oubli. Ni d'engloutir le savoir d'autrefois. Ni d'anéantir l'ailleurs du temps."

Jean-Luc Absil (texte adapté):
Il crée ses sculptures en argile et en cire en réalisant les coulées en bronze et en résine.

Il a le souci du détail, il est dans la recherche constante de l'élégance, de l'émotion que suscite le corps féminin dans sa réserve ou sa provocation.

La sensualité naturelle de la Femme qu'il représente incite le spectateur à un regard serein dans le respect de la nudité.

En magnifiant, voire en divinisant son sujet, il touche au Féminin Sacré.
Jean-Luc Absil tente d'atteindre l'image totale de la Déesse Femme.

Sujet :
Nées du regard de l'homme, de son rêve ou de son fantasme, les sculptures de Jean-Luc Absil dégagent une sensualité naturelle qui leur confère un érotisme respectueux.

C'est la représentation de la Femme, triomphante de féminité, arborant la fierté de disposer de son corps, et gardant en réserve son pouvoir de séduction.

Galeries Barissardo & Au 45 (Isabelle et Hervé Venet)(adapté et étendu) :
Architecte de formation et doté d'une expérience de scénographe d'exposition, Joël Sadaune s'exprime au travers d'oeuvres picturales mettant en scène des espaces semi abstraits, emprunts de références de notre quotidien, comme les réseaux urbains ou encore virtuels, d'ordinateurs ou des sites industrielles.
Il invente avec des pièces de rechanges des véritables machineries si nécessaire dans notre vie quotidienne.

De la peinture à la sculpture, Joël Sadaune crée des univers à l'ambiance industrielle, sur fond de décors riches de détails : marquage, symboles, messages, traces, déchirures. Il aime user du vocabulaire lié au packaging : des flèches, chiffres, codes-barres, inscriptions au pochoir, qui sont autant de représentations lui permettant de borner ses oeuvres et à quitter l'univers abstrait de leur création.

Le fruit de son travail résonne comme une invitation à explorer, disséquer, décrypter et voyager aux confins d'un monde fantastique, moderne et design.
Chez Joël Sadaune, rien d'hasardeux non plus ! L'originalité de ses créations fait en effet l'objet de travaux de recherche, car l'artiste aime observer, détailler, comprendre les univers qu'il réinterprète ensuite, pour exprimer son art en extériorisant sa sensibilité.

Kati Kerstna:
Elle a été le curatrice et le conceptrice de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger (Allemagne, Estonie, Finlande, Grand-duché de Luxembourg, Lettonie, Lituanie et Russie). Elle est également l'organisatrice de longue date du symposium sur le verre chaud de Haapsalu en Estonie

Vision :
À travers son oeuvre, Lebuïn D'Haese communique avec le public, lui donnant un aperçu de sa pensée. Pour lui, 'être un artiste' n'est pas sans obligation. L'art pour l'art n'est rien pour lui. Il est un artiste engagé qui n'a qu'un seul sujet : l'être humain. (Gui Kestens)

Luc Clerinx :
Lebuïn D'Haese a une vue légèrement ironique sur 'la comédie humaine', il regarde 'l'homme et sa misère' de manière émotionnelle. Ce qu'il voit et comment il le voit prend vie dans ses sculptures. Il pense en sculptures, il agit en sculptures. Un concept sobre, l'omission du superflu, le contrôle rigide de ses propres émotions, font que l'implication dramatique dans ses sculptures ne déborde pas.

Frank De Vos :
Les bras tendus de Lebuïn D'Haese, qui reviennent dans beaucoup de ses figures, sont frappants ; de longs bras qui sont lancés comme des ancres vers le ciel ouvert.

Les bronzes de femmes de Loes Knoben montrent l'expression, le mouvement et la puissance.

Loes Knoben recherche toujours de bois, de branches et d'écorce, érodé par le vent et les intempéries. Elle y cherche dedans la force, le rythme et l'équilibre. Elle entame un voyage de découverte vers de nouvelles oeuvres d'art.
Les matériaux naturels utilisés laissent leur empreinte dans ses sculptures. Les brindilles de bois deviennent des bras et des jambes.

L'art de Loes Knoben reflète sa vision de la vie, son talent pour observer les gens, déchiffrer leurs sentiments et les traduire en des beaux bronzes expressifs.

CBR81, une péniche coulée et explosée :
Les restes métalliques déformés par l'explosion de cette péniche sont sélectionnés et assemblés pour Ludo Giels pour former un monde merveilleux peuplé de personnages excentriques. Les visages sourient, expriment des émotions, racontent l'histoire de la barge de ciment engloutie et invitent au sourire.
Les sculptures peuvent être rafraîchis chaque année avec Compaktuna, par exemple.


De la ferraille au bronze :
Certaines sculptures sont reproduites en bronze.
Après avoir été photographiée, la sculpture en métal est démontée pour retrouver les morceaux de ferraille d'origine, qui redeviennent des pièces de puzzle. Celles-ci sont transformées en moules pour le fondeur de bronze.
Une fois les pièces en bronze terminées, elles sont reconstituées sur la base des photographies. La sculpture en bronze qui en résulte est à la fois similaire et différente de la sculpture en métal d'origine. La sculpture reçoit également sa propre patine.
Un maximum de quatre répliques en bronze est réalisé.

Avec une vigilance innée à la beauté de la nature, Luk Luts "va au fond" des différents types de pierres.

Il utilise à la fois le grès de Mergel, comme le grès de fer de Diest, des pierres françaises, des pierres bleues belges et irlandaises, le beau mais délicat Noir de Mazy, le marbre italien unique Bianco Statuario et les opales colorées et et le Springstone du Zimbabwe.

Clarifier le message fossilisé imprimé dans la masse de pierre ou libérer les statues féminines de leur ancienne enveloppe de pierre est son obsession.

Luk Luts est l'homme qui est passé de professeur d'école à professeur de pierre. Non seulement parce qu'il comprend de mieux en mieux la pierre et devient ainsi un guide de pierre, mais aussi parce qu'il nous montre dans son style personnel ce qu'il voit dans une pierre. Une fois que vous ressentirez ses oeuvres émotionnellement, vous les reconnaîtrez toujours.

Sujets :
Marie Thys crée un bestiaire d'une expressivité étonnante qui reflète à la fois un impressionnant travail d'observation, une passion pour l'âme animale et une profonde connaissance de la matière. Elle exploite les qualités du bronze et le revét souvent d'une patine satinée qui accroche la lumière et enveloppe les volumes de douceur. Chacune de ses sculptures révèle une intuition pointue sur l'identité et sur la nature du modèle choisi. L'illusion est d'autant plus grande quelle travaille souvent ses sculptures en grandeur nature.
(L'Evenement - Avril 2007)

Methode :
"J'ai horreur de la banalité", dit Marie Thys, "J'observe beaucoup. Et c'est seulement quand j'ai trouvé l'attitude originale que je croque sur le papier, avant de façonner la figure d'argile ou de cire qui sera coulée en bronze."
Et elle continue: "Il y a toujours chez moi un clin d'cil amusé. J'aime que les gens s'amusent."
(Le jour Huy - Waremme, 21 mai 2007)

Marie Thys raconte aussi: "Au début, je sculptais la terre que je faisais cuire. Certaines personnes souhaitaient acheter mes réalisations mais je ne voulais pas m'en défaire. La seule solution, c'était de passer au bronze, pour lequel on a huit exemplaires numerotes plus quatre épreuves d'artiste.
Le bronze est assez coûteux puisqu'il faut payer la fonderie et Ie moule mais il recèle une part de magie.
On amène sa pièce au fondeur, en terre, en plâtre ou en cire selon le sujet. Puis le résultat nous échappe quelque part puisqu'on n'a pas travaillé cette matière. Une texture très noble, agréable à toucher."
(Libre Essentiel, nov. 2007)

Marja Steinmetz:
En tant qu'artiste visuelle, elle a longtemps travaillé avec le bois, mais elle est depuis des années fascinée par le verre, dont elle a atteint l'apogée avec ses oeuvres d'art colorées et pleines d'imagination.


Verre?
Marja Steinmetz: 'Le verre a une énorme envie de vivre'. Les nombreuses possibilités d'expression et les différentes techniques offertes par le verre constituent pour elle un défi permanent. C'est en combinant ce défi avec son dynamisme et sa passion qu'elle crée ses oeuvres.
Elle combine le moulage du verre dans le sable, le plâtre ou les moules pour créer des oeuvres d'art ludiques.
Le verre est ensuite sablé, meulé, poncé eet poli afin d'obtenir la translucidité souhaitée.


Lumière:
Mais les oeuvres d'art en verre ont besoin de lumière, c'est pourquoi Marja Steinmetz et son mari créent des ornements en cristal de récupération, des abat-jour en verre coloré et des ornements lumineux avec des diodes électroluminescentes (LED). Ils deviennent ainsi des 'champignons' lumineux, colorés et économiques en énergie.

MUSIC BEER FOUNDATION:
Notre priorité est de vous proposer des bières basées sur la longue tradition de la brasserie belge, reconnue dans le monde entier.
De la classique bière blonde aux spéciales, MUSIC BEER vous ouvre les portes de toutes les saveurs qui vous permettront de régaler vos sens et vos papilles. Un Art maîtrisé par notre maître brasseur qui confirme notre savoir-faire pour votre bonheur, toujours avec modération, bien sûr...

Voir https://plaidsenshawls.nl/

L'escargot

Roland Menten crée de l'art avec une note d'humour qui est souvent en contradiction ou donne une vision inattendue sur notre société stressée et perfectionnée. Il a réalisé toute une oeuvre sur et autour des escargots, des grenouilles, des feuilles, des champignons, ... en bref, la nature. Dans son travail, il donne aux escargots une place d'honneur.

La beauté des oeuvres de Roland Menten est qu'elles évoluent avec la nature.

D'une part, grâce à l'utilisation de surfaces polies ou rugueuses, les lichens deviennent des spectateurs et en même temps participent à l'histoire racontée par l'oeuvre d'art.

D'autre part, par l'utilisation des couleurs différentes, les sculptures conquièrent leur place dans la nature, qui à son tour adoucit cette dominance en incorporant la sculpture dans la végétation.

Les pièces de Roland Menten se sentent chez elles, aussi bien dans un design moderne que dans un intérieur classique, dans un jardin rigide à la française que dans la végétation, mais elles suscitent toujours un sourire. :-)

Luc Schreiden (adapté) :
La principale originalité manifestée par les oeuvres de Toni Kanwa Adikusumah réside dans l'alliance que l'artiste réussit entre les arts premiers et l'art contemporain, entre la profondeur de l'orient et la liberté créative de l'occident. La synthèse à laquelle il parvient sublime les dualités.

Influences :
Toni Kanwa Adikusumah est né à Java, Indonésie. Il a consacré la première partie de sa vie à s'immerger au coeur de plusieurs tribus indigènes où la culture et les arts rituels étaient encore une évidence et une nécessité pour les humains. Sa connaissance des techniques ancestrales et son enracinement spirituel sont exceptionnels. Gradué du Bandung Institute of Technology, il fut pendant plus d'une quinzaine d'années expert en Art tribal pour Sotheby's et Christie's à Jakarta et Bali.

Récemment :
Depuis les années 2000, Toni Kanwa Adikusumah parcourt le monde, se laissant notamment toucher par les influences de la scène artistique européenne. L'artiste nous présente ici une série de sculptures en bois et de réalisations en bronze révélatrices du flux d'énergie vitale résultant de ce chemin hors du commun et de la dualité entre l'Est et l'Ouest.

Garry Kvistad et Woodstock Chimes:
Woodstock Chimes offre une variété unique d'instruments musicaux de haute qualité et abordables qui inspirent, stimulent et apportent du plaisir aux personnes de tous âges. Woodstock Chimes propose une gamme d'instruments de musique reconnus, appelée Woodstock Music Collection. Woodstock Percussion, Inc. a été fondée en 1979 dans la magnifique vallée de l'Hudson, dans l'État de New York, où elle poursuit ses activités aujourd'hui. Le fait d'avoir été fondé par le musicien professionnel Garry Kvistad explique le fort engagement de Woodstock Chimes en faveur d'un réglage fin et d'un son exceptionnel, ce qui rend ses produits attrayants pour tous.