Abou sidibé :
Formé au Centre Technique des Arts de Bingerville, Abou Sidibé obtient un Brevet Technique des arts appliqués en 1999.
Depuis 2004, Abou Sidibé présente son travail dans le cadre d'expositions personnelles et collectives au Burkina Faso et dans le monde, telles que le centre colombo Americano de Medellin- Colombie (2004), Burkin'art à Avignon(2015), la BISO à Ouagadougou (2019 et 2021).

Il participe à des workshops comme ceux organisés par l'Institut francais et le Goethe Institut de Ouagadougou, en 2015 dans un quartier peripherique et en 2018 au Musée national du Burkina Faso.

Oeuvres :
Dans son atelier à Ouagadougou Abou Sidibé crée des formes faites de bois, de métaux et d'objets manufacturés de toutes origines. Ses totems, les grigris, les seaux faits d'agrégats d'objets, ses installations éphémères, projettent sa vision du brassage d'un monde universel.

Thèmes :
La démarche d'Abou sidibé s'inscrit dans la recherche permanente d'un équilibre, base fondamentale de l'épanouissement de l'humanité, dont la dimension spitituelle fait pleinement partie, quelque soit l'environnement professionnel, social ou culturel dans lequel on vit. Dans une volonté d'exalter l'esprit de la matière, le travail d'Abou Sidibé se nourrit de ses racines africaines et de croyances universelles.

Delia Bremer, Hoogeveensche Courant (bewerkt):
"Adje Martens a travaillé comme charpentier, et la musique et le théâtre ont toujours joué un grand rôle dans sa vie. Dans ses sculptures, nous voyons une combinaison de tout cela; car il travaille avec des matériaux comme l'acier, le bois et les pierres, et les mélange souvent avec des 'déchets' récupérés. Beaucoup de ses sculptures bougent, et chacune fait partie d'une histoire plus grande - souvent en cours - en série."

Talent du sol de Kauliller (nord du Limburg en Belgique):
Jeune homme, Albert Vaesen a commencé à sculpter le bois pendant son temps libre. Avec un marteau et un ciseau, il a donné vie à une planche ou une poutre en bois. Plus tard, il a commencé à expérimenter avec des matériaux tels que le fer, l'aluminium et le cuivre.

Albert Vaesen
Il est devenu un artiste sur métal autodidacte. Souder différentes pièces de cuivre pour former un objet expressif est l'une de ses occupations préférées. Le cuivre rouge reste son matériau de prédilection.

L'art est devenu une profession
Outre ses oeuvres d'art, Albert Vaesen travaille également sur commande. Le travail du cuivre est ainsi devenu une occupation à temps plein.

Burkina Faso :
Pendant un séjour de trois ans au Burkina Faso (Afrique de l'Ouest), Ann Geirnaerdt a eu l'occasion d'expérimenter à plein temps la technique de la cire perdue et le moulage de ces créations en bronze. Cette expérience unique a déterminé son style de travail.

Thèmes :
Ann Geirnaerdt aborde à travers ses œuvres les thèmes de l'homme qui "cherche" continuellement, qui a besoin de connectivité, de sécurité, mais souhaite en même temps garder sa propre force. L'homme qui aspire une certaine harmonie et veut vivre pleinement dans la vie; parfois vulnérable, parfois fort, toujours à la recherche de son nid douillet, qu'il préfère également partager avec d'autres.

Matière :
La particularité de mes œuvres est l'inspiration que m'apportent les matières naturelles comme de l'écorce, des branches, des légumineuses, par leur forme, leur mouvement et leur structure. Ces matières laissent une empreinte dont je m'imprègne avec gratitude et que je façonne.

Anne-Jan Hoogland:

En tant que photographe professionnel, il a eu sa propre société et son propre laboratoire photo pendant plus de 35 ans. Il a ensuite suivi des cours et des ateliers de décoration intérieure, de peinture à l'aquarelle et d'orfèvrerie. Il s'est ensuite spécialisé dans la création de sculptures en bronze et d'œuvres en verre. Il est ainsi devenu un artiste complet.

Subjects:

Anne-Jan Hoogland combine le verre et le bronze pour créer des sculptures figuratives et abstraites d'animaux, d'éléments naturels et de paysages. Il fabrique également des objets décoratifs, des plats et des vases.

Technique :

Anne-Jan Hoogland crée ses sculptures en verre en utilisant la technique de la fusion du verre, qui consiste à fondre ensemble différentes couches de verre coloré à haute température.
Il réalise la composition en utilisant différents types de verre, tels que le verre fusionné, le verre à effets arc-en-ciel, le verre à couche high-tech permettant la réflexion ou le verre iridescent.
En jouant avec différentes incidences lumineuses, les œuvres acquièrent une dynamique très originale, dans laquelle les couleurs prennent vie et, selon l'angle de vue, changent de couleur et créent une dynamique particulière.

Annemarie van Uden:
"Chaque jour, je me promène dans mon imagination et m'émerveille.
Ces nombreuses errances sont ce qui nourrit mon envie de faire des images. L'émerveillement, la curiosité et l'espièglerie sont très importants pour moi.
Vous regardez et ressentez quelque chose, vous êtes touché par la matière, la forme - l'expression.
Si une image se démarque parmi tant de matériel visuel, quelque chose de spécial s'est produit."

Axel :
Axel commence à peindre en 1992, attiré par la culture hip-hop et l’esprit litigieux du graffiti.
L'artiste a du mal à trouver sa place dans une société où tout est gris et bétonné. Axel veut faire parler les murs, les colorer, effacer leur tristesse.
Ses toiles expriment, comme chacune des ses signatures de l’époque, une idéologie positive parsemée de joie, de bonheur, de déception et de réalisme.
Les couleurs lui permettent d’égayer les endroits qui sont le décor de notre vie, de mettre de la joie là où les mines sont grises.

Kètul :
Kètul est fasciné par les paysages qu'il met en évidence en créant des monolithes comportant une sorte de hublot, de fenêtre invitante, … pour (re)découvrir la splendeur des plantes spontanées et/ou cultivées. Le travail de la terre crue est au centre de sa recherche conceptuelle. La face lisse de ses pièces invite des autres artistes à créer ... pour encore davantage favoriser le dialogue avec la nature.

Méthode de travail
Avant de commencer l'oeuvre, Axel et Kètul ont réalisé plusieurs croquis de l'installation, qui tenaient compte de l'emplacement et de l'atmosphère du lieu. Les esquisses divisent l'installation en éléments, qui sont aisément maitrisables et transportables.
Chaque pièce a besoin de supports pour stabiliser la pièce dans le jardin sans utilisation abusive de matières premières

Pour le moulage des éléments, Kètul a créé un moule dans une couche de terre limoneuse bien compactée. Après avoir rempli le moule d'un mélange de granulats et de ciment, les surfaces encore visibles sont structurées. Ces surfaces seront ensuite peintes par Axel à l'aide de techniques de street-art (spray painting). Les autres surfaces contiennent de la terre crue qui, avec le temps, s'éroderont lentement et seront recouvertes de lichens et de végétation.
Le moule ne peut être utilisé qu'une seule fois et un nouveau moule est nécessaire pour chaque élément de l'installation.

B. Jane Cowie :
B. Jane Cowie vient du sud de l'Australie et sa carrière dans la conception et la réalisation d'installations en verre l'a amenée à voyager à travers le monde. Jane a récemment contribué à l'environnement bâti de Singapour pendant plus de 10 ans, en installant du verre d'art dans de nombreux espaces publics en plein air.


Process :
B. Jane Cowie is designing, making and installing artworks and large-scale glass installations which are purpose built for private and commercial spaces
It means she now had to work with larger teams of project managers, makers and installers situated in Singapore.

Exhibitions :
Plus récemment, B. Jane Cowie est revenue à une pratique d'exposition plus personnelle à travers une série d'ateliers de méthodologie de recherche et d'expositions à Mittagong, Perth et Canberra - et maintenant "Le Jardin Enchanté", c'est pour la première fois en Belgique et en Europe.

Carol Youngner :
Pour elle, le verre, la lumière et l'air ne font qu'un.
Le verre, comme matière, emprisonne et capture. La lumière, comme liberté, pénètre et transporte le volume. L'air, comme vide, est plein et donne une rythmique visuelle. Quant aux pleins, ils sont vides de sens, si ce n'est être qu'être le médium qui permet à la pièce d'exister.
Ces 2 éléments, l'air et le verre, s'opposent lors de la fusion mais ne peuvent vivre l'un sans l'autre et font naitre un schéma visuel ou la lumière peut parcourir son propre chemin.

Catherine Millet raconte :
Qu'est-ce que 'Le veilleur de nuit' voit sur 'Le balcon'? 'Le bourreau des cages' qui cherche 'La pièce manquante' dans 'l'ombre qui danse' en espérant 'une échappée belle' ?

La sculpture :
Catherine Millet se lance dans la sculpture en développant une technique personnelle alliant différents matériaux, technique qui lui prendra plusieurs années de travail et de recherches pour développer et affiner ses oeuvres.

Thème :
Les sculptures de Cathereine Millet sont comme des illustrations. Elles nous racontent une histoire à chaque fois différente ou l' homme est perçu comme un explorateur solitaire du monde, un rêveur, un poète à la recherche d'un idéal. Il va de rencontres en rencontres, perché sur les roues du destin. Il aime découvrir chaque face de cet univers, en mutation constante, le portant parfois à bout de bras ou le survolant pour mieux le comprendre.

Catherine Millet expose à partir du Samedi le 02 Juillet 2022

Cera Verre (Diane Gacki & Denis Susswein) :
Les artistes ont été initiés au verre au chalumeau par Septy Bechou, à la fusion ainsi qu'au thermoformage par Véronique Duterne et Alexandre Mayeur (Mayex).

Le verre dans les sculptures :
Le verre est un matériau qui respire la légèreté.
Des sculptures translucides prennent vie dans son environnement, dans une relation d'enrichissement mutuel avec la nature environnante. La luminosité du paysage, les rayons du soleil, le rythme des jours et des saisons interagissent avec les couleurs de l'oeuvre.
Dès la création d'une sculpture, l'artiste est obligé d'imaginer l'oeuvre dans son environnement.

Fusing ou verre fusionné :
Le fusing consiste à découper, assembler et superposer des plaques de verre colorées. Ensuite, la pièce composée est mise au four pour la «fusion» autour de 800°C.
Les pièces fusionnées exposées dans 'Le Jardin Enchanté 2022' ont été créées pour apporter de la lumière et de la couleur dans les espaces verts.

Les oeuvres peuvent rester à l'extérieur en toutes saisons.

Technique :
Christian Delory a commencé à réaliser des têtes avec des rondelles d'acier inoxydable sur un fond de cuivre poli miroir.
Pour l'année du verre, il a eu l'idée de réaliser les coiffes en vitrail.
Il a ensuite ajouté un rétroéclairage "LED RGB" qui peut être ajusté automatiquement ou réglé sur la couleur souhaitée à l'aide d'un bouton poussoir situé sous la sculpture.

Texte de Carlo Kockerols (adapté) :
Ce qui me frappe dans l'oeuvre de Daniel Olislaegers, ce qui m'a frappé dès le début, c'est la très grande diversité de créations, diversité qui s'exprime autant par les formes que par les techniques utilisées. A quoi j'ajoute, le côté « perfectionniste» de l'artiste. Ce qu'il fait sort d'une imagination jamais prise en défaut, mais avec le souci de réaliser une oeuvre sans bavure, parfaite.

On peut s'étonner du fait que Daniel Olislaegers n'a commencé sa vie d'artiste que bien tard, à ses 40 ans. Sorti d'une grave crise tant morale que physique, le voilà se reforgeant une personnalité au travers d'une création artistique ardue, ne rechignant pas devant les difficultés. Ce défi il me semble l'avoir magnifiquement affronté, comme en témoigne son oeuvre.
...
La majeure partie de son oeuvre récente réside dans le travail du verre. Il s'est perfectionné dans une technique très peu pratiquée, difficile, notamment celle du verre coulé. La forme de verre ainsi produite au départ d'un moule est alors insérée dans un matériau sculpté lui aussi, pierre de taille ou marbre, bois ou métal, travertin ou terra-nova. Cette juxtaposition de matériaux, parfois très brute, fait qu'aucune oeuvre n'est pareille à l'autre, nous y trouvons une étonnante diversité de formes et de conception.

Chaque oeuvre est le produit d'un concept élaboré avec précision, et s'intitule comme étant un message de civilisations éloignées, perdues, oubliées. Comparons avec ce coffret déposé par les astronautes sur la lune, et destiné à être découvert par des créatures inconnues. Le titre de chaque oeuvre est ainsi une clé. Au spectateur de faire sa part de travail, pour qu'il découvre les secrets cachés de l'oeuvre.

L'oeuvre dans son ensemble est imprégnée d'une créativité et d'une vitalité, qui témoignent de l'effort fait pour dépasser toute épreuve, se dépasser soi-même, dompter la matière. En même temps elle est aussi signe d'une réceptivité à tout ce que peuvent nous apporter les hommes de tous les temps, de tous les horizons.

Edith Janzen :
Il y a près de 20 ans, Edith Janzen a décidé de répondre à son besoin de créer en créant des sculptures. Au début, elle a pris des leçons chez la sculptrice Inez Warnaar. Pendant quelques années, elle s’est exclusivement inspirée par des modèles, ce qui l'a donné une bonne base pour son développement artistique.

Thème :
Au début, les œuvres d'Edith Janzen étaient inspirées par l'illustrateur et graveur du XIXe siècle, Grandville, dont ses illustrations dénoncent la société en France vers 1830.
Elle aime la vie et tout ce qui est doux. Parce qu'elle ne connaît pas la malice, elle est très attentive et affectueuse dans son travail. Il est naturel qu'avec le temps, vous en veniez à aimer ses figurines comme de la famille chère.

Sujet :
Edith Janzen est un sculpteur qui a un grand sens de la réalité de la société. Comme de nombreux artistes, elle exprime ses idées en figures animales, qui semblent familiers et en même temps aliénants. Le raffinement de la finition ressent très naturel. C'est comme si nous reconnaissons les sculptures.

Evelyn Hamoir :
Parallèlement à sa carrière d'enseignante, elle s'est consacrée au dessin, et, depuis quelques années à la sculpture.
Élève de la célèbre sculpteure chinoise Luo Li Rong, elle travaille actuellement dans son propre atelier et suit des cours de taille de pierre chez Véronique Choppinet.

Sujets :
Au départ de l'argile ou de la cire, sa recherche est essentiellement axée sur la capture d'instantanés exprimant un état d'âme, un moment fugitif, une émotion.
Le spectateur remarque d'emblée la finesse et l'expression des visages ainsi que les mouvements des corps, l'invitant à un dialogue sur ce qui les interroge.

Technique :
Après l'étape du moulage et du bronze à la cire perdue, elle travaille en collaboration avec des fonderies en Italie (Pietrasanta) et en Belgique (Lens, Tubize et Gand).
Plusieurs pièces sont également réalisées en terre cuite. Celles-ci sont alors patinées de façon originale, utilisant de nouvelles manières de faire revivre la sculpture.

France Van Hemelrijck :
Elle a derrière elle une carrière dans la mode féminine. Les robes de mariées n'ont pas de secrets pour elle.
C'est après avoir vu un singe fait de ferrailles dans un jardin qu'elle a eu une révélation. Elle se forme alors à la soudure et crée ses propres oeuvres en métal.
Elle est ainsi passée avec aisance de la couture à la soudure. Dans ses sculptures elle reste fidèle à l'élégance de la forme et de la pureté des courbes.

Ses oeuvres :
France Van Hemelrijck nous présente des silhouettes élancées et des oiseaux stylisés sortis de l'imaginaire ressuscités de vieux outils rouillés.
Son désir est de donner une dimension nouvelle, sa passion n'est autre que de souligner la grâce et la beauté ainsi que de chercher une harmonie entre la force du métal et la magie créatrice qui sommeille en chacun d'entre nous.

Design:
L'oeuvre de Hendrike Huijsmans se caractérise par son caractère ouvert, ses couleurs vives et ses lignes claires, épurées mais fluides. Ils montrent le mouvement et la vivacité.

Abstrait mais organique :
Hendrike Huijsmans aime à créer des structures abstraites. Les formes organiques libres qui semblent croître et chercher leur chemin la fascinent énormément.
Les oeuvres, presque toujours colorées et monumentales, ont une impact positive aux visiteurs

Combinaison de matériaux :
Hendrike Huijsmans aime travailler avec l'acier, le verre et le polyester et leurs combinaisons. Les possibilités de forme et de couleur de ces matériaux sont presque illimitées.
Ils sont donc très adaptés à la création des sculptures fluides et libres qu'elle souhaite montrer.

Hermien Buytendijk:
Les sculptures sont souvent réalisées à partir d'une esquisse qui évolue au cours de la création. Il est également possible qu'elles soient modelées d'après un mot ou un titre. Inversement, le titre se présente souvent comme un résultat d'un jeu de questions-réponses avec la sculpture. Ainsi, de nombreuses combinaisons de mots folles sont créées et les sculptures et ses titres sont toujours différentes et uniques.

Les sculptures sont creuses, construites avec des bandes d'argile (grès ou porcelaine) qui sont pétries et bosselées. Souvent, Hermien Buytendijk travaille simultanément aux plusieurs sculptures à différents stades de développement.
Elles sont d'abord peintes à l'aide des feuillets de couleur entaillés dans l'argile et ensuite cuits au four à 900 degrés. Ils sont ensuite frottés avec des colorants à base de poudres métalliques, puis émaillés et cuits à un minimum de 1200 degrés et souvent suivi d'une cuisson à 800 degrés pour bruler un peu d'or.

Hermien Buytendijk pour Galerie 'T':
Hermien met la vie en perspective grâce à des sculptures en céramique qui balancent entre rêve et réalité.

Ses sculptures font souvent quelque chose qui n'est pas tout à fait possible, elles semblent simplement échapper à la réalité mais en donnant à elle une impression très nette. Avec humour et double sens, Hermien Buytendijk crée des créatures que tout le monde reconnaitra avec le sourire. Les figures humaines et animales se mêlent aux instruments de musique et aux objets différentes pour former des pièces uniques et originales et chaque sculpture reçoit un nom propre.

Les sculptures sont nées d'une fantaisie inspirée de la vie, tous différents et surprenants.
Les sculptures sont souvent placées sur des piédestaux de bois ou de pierre qui sont décorés de manière correspondante.
Les oeuvres reçoivent des couleurs de la terre avec des touches d'or et des éléments graphiques.

Jan Leenknegt se consacre au verre.

Depuis plus de 45 ans, il est un artiste du verre passionné qui crée des sculptures en verre tridimensionnelles. Il combine un design organique avec du verre plat soufflé à la bouche.

Jan Leenknegt décrit son travail comme suit : "Tout ce que je fais est de la plus grande évidence, c'est ce que je fais, toute ma vie. Ma créativité, c'est ma vie, mon univers. Je crée mon propre monde et je veux toujours créer".

Son travail s'articule autour de plusieurs thèmes : les éléments, l'univers, le microcosme, bref, la vie sur et autour de cette planète sous toutes ses formes.


Réimpression de 'Het Laatste Nieuws' (Lieke D'hondt 24-02-20)

Enfant, Jan Leenknegt entre et sort de l'atelier de son père, qui fabrique entre autres des vitraux pour les églises. "A l'âge de cinq ans, je copiais déjà les vitraux de mon père. J'ai aussi beaucoup dessiné dans ma jeunesse, j'ai visité des musées et des expositions avec mon père et je suis allé à l'académie d'Audenarde", dit Jan. Je me souviens qu'à l'école primaire, j'avais fait un dessin d'un champ de maïs, avec des points et des lignes, plus dans le style de Van Gogh que dans le style "propre" que le professeur avait à l'esprit. Il a écrit "sale" au marqueur rouge, mais mon père m'a complimenté. Cela montre simplement que l'art est personnel".

Comme son père, Jan a continué l'art du verre, bien qu'après un certain temps, il se soit surtout concentré sur la sculpture. Le style organique aux couleurs vives le caractérise. "J'essaie toujours d'apporter un message positif et d'incorporer des mouvements ascendants dans les sculptures. Je trouve mon inspiration tout autour de moi dans le cosmos, l'univers et la nature. En fait, je suis constamment occupé par cela, même quand je dors. Partout, je vois quelque chose qui me met au défi et me fait réfléchir. Chaque jour, je mets de nouvelles idées sur le papier. J'essaie de ne jamais me répéter, il y a toujours une évolution dans les images que je fais. Je pense néanmoins qu'il est important que les gens voient immédiatement qu'une oeuvre est la mienne.

Les sculptures de Jan Leenknegt sont un exemple fort de savoir-faire artisanal, auquel sa femme Daniëlle contribue également. Après un dessin à l'aquarelle et un agrandissement à la taille réelle, Daniëlle réalise la ferronnerie de la sculpture. Celui-ci doit ensuite être nettoyé dans des bains de zinc chauds et verni. Ensuite, Jan peut couper et broyer le verre pour l'incorporer dans les sculptures. "Mes sculptures exigent beaucoup de travail technique. C'est un défi, tant pour l'esprit que pour les mains", déclare Jan. "Le fait que nous puissions réaliser ce métier nous-mêmes est important pour moi. Même si cela peut parfois mal tourner : les pièces de verre les plus chères sont souvent les plus fragiles. Lorsqu'une telle pièce est brisée, on peut entendre les jurons dans le studio".

Au cours de ma carrière de restaurateur de vitraux, exercée principalement dans les églises, j'ai eu l'occasion quelques rares fois de travailler sur des morceaux de verre qui furent réalisés à l'aide de pochoirs. La technique naît au XIVème siècle, quand les vitraux commencent à perdre, petit à petit, leur usage premier et se mettent au service des différents pouvoirs en place sous forme de blasons représentant les familles influentes de l'époque. Le fond du vitrail, sert alors uniquement à mettre en valeur les blasons : il est composé de motifs végétaux répétitifs ("damasse") ou de motifs géométriques à résilles serrées ("cages de mouches"). Pour ces fonds répétés des centaines de fois dans la verrière, les verriers utilisent les mêmes pochoirs réalisés en plomb ou en zinc par des dinandiers. Leur usage n'est pas commun : il a été délaissé aux XVIIème et XVIIIème siècles, a retrouvé un regain d'intérêt de la part des maîtres verriers au XIXème siècle pour être complètement oublié au XXème siècle. Je n'ai jamais aimé le verbe "perdre" et encore moins "technique perdue/disparue". Je pense au mot de Pascal Quignard : "Les arts n'ont pas pour destin, comme fait l'histoire, d'organiser l'oubli. Ni d'engloutir le savoir d'autrefois. Ni d'anéantir l'ailleurs du temps."

Jean-Luc Absil (texte adapté):
Il crée ses sculptures en argile et en cire en réalisant les coulées en bronze et en résine.

Il a le souci du détail, il est dans la recherche constante de l'élégance, de l'émotion que suscite le corps féminin dans sa réserve ou sa provocation.

La sensualité naturelle de la Femme qu'il représente incite le spectateur à un regard serein dans le respect de la nudité.

En magnifiant, voire en divinisant son sujet, il touche au Féminin Sacré.
Jean-Luc Absil tente d'atteindre l'image totale de la Déesse Femme.

Sujet :
Nées du regard de l'homme, de son rêve ou de son fantasme, les sculptures de Jean-Luc Absil dégagent une sensualité naturelle qui leur confère un érotisme respectueux.

C'est la représentation de la Femme, triomphante de féminité, arborant la fierté de disposer de son corps, et gardant en réserve son pouvoir de séduction.

Galeries Barissardo & Au 45 (Isabelle et Hervé Venet)(adapté et étendu) :
Architecte de formation et doté d'une expérience de scénographe d'exposition, Joël Sadaune s'exprime au travers d'oeuvres picturales mettant en scène des espaces semi abstraits, emprunts de références de notre quotidien, comme les réseaux urbains ou encore virtuels, d'ordinateurs ou des sites industrielles.
Il invente avec des pièces de rechanges des véritables machineries si nécessaire dans notre vie quotidienne.

De la peinture à la sculpture, Joël Sadaune crée des univers à l'ambiance industrielle, sur fond de décors riches de détails : marquage, symboles, messages, traces, déchirures. Il aime user du vocabulaire lié au packaging : des flèches, chiffres, codes-barres, inscriptions au pochoir, qui sont autant de représentations lui permettant de borner ses oeuvres et à quitter l'univers abstrait de leur création.

Le fruit de son travail résonne comme une invitation à explorer, disséquer, décrypter et voyager aux confins d'un monde fantastique, moderne et design.
Chez Joël Sadaune, rien d'hasardeux non plus ! L'originalité de ses créations fait en effet l'objet de travaux de recherche, car l'artiste aime observer, détailler, comprendre les univers qu'il réinterprète ensuite, pour exprimer son art en extériorisant sa sensibilité.

Joël Sadaune expose à partir du Vendredi 01 Juillet 2022

Vision :
À travers son oeuvre, Lebuïn D'Haese communique avec le public, lui donnant un aperçu de sa pensée. Pour lui, 'être un artiste' n'est pas sans obligation. L'art pour l'art n'est rien pour lui. Il est un artiste engagé qui n'a qu'un seul sujet : l'être humain. (Gui Kestens)

Luc Clerinx :
Lebuïn D'Haese a une vue légèrement ironique sur 'la comédie humaine', il regarde 'l'homme et sa misère' de manière émotionnelle. Ce qu'il voit et comment il le voit prend vie dans ses sculptures. Il pense en sculptures, il agit en sculptures. Un concept sobre, l'omission du superflu, le contrôle rigide de ses propres émotions, font que l'implication dramatique dans ses sculptures ne déborde pas.

Frank De Vos :
Les bras tendus de Lebuïn D'Haese, qui reviennent dans beaucoup de ses figures, sont frappants ; de longs bras qui sont lancés comme des ancres vers le ciel ouvert.

Liliane Van Der Elst:
Depuis que j'ai découvert le soufflage de verre, vers 2010, j'étais sous le charme de tout ce qui concernait le verre fluide.
Cette passion pour le verre liquide a provoqué une impulsion irrésistible pour la conception et la création.

Ssujets:
Je m'inspire des éléments : l'eau, l'air, le feu et la terre. L'homme et la nature sont indissolublement liés à ces éléments.
Dans mon travail, j'essaie de mettre l'accent sur la résilience de la nature et des humains.

Les bronzes de femmes de Loes Knoben montrent l'expression, le mouvement et la puissance.

Loes Knoben recherche toujours de bois, de branches et d'écorce, érodé par le vent et les intempéries. Elle y cherche dedans la force, le rythme et l'équilibre. Elle entame un voyage de découverte vers de nouvelles oeuvres d'art.
Les matériaux naturels utilisés laissent leur empreinte dans ses sculptures. Les brindilles de bois deviennent des bras et des jambes.

L'art de Loes Knoben reflète sa vision de la vie, son talent pour observer les gens, déchiffrer leurs sentiments et les traduire en des beaux bronzes expressifs.

Avec une vigilance innée à la beauté de la nature, Luk Luts "va au fond" des différents types de pierres.

Il utilise à la fois le grès de Mergel, comme le grès de fer de Diest, des pierres françaises, des pierres bleues belges et irlandaises, le beau mais délicat Noir de Mazy, le marbre italien unique Bianco Statuario et les opales colorées et et le Springstone du Zimbabwe.

Clarifier le message fossilisé imprimé dans la masse de pierre ou libérer les statues féminines de leur ancienne enveloppe de pierre est son obsession.

Luk Luts est l'homme qui est passé de professeur d'école à professeur de pierre. Non seulement parce qu'il comprend de mieux en mieux la pierre et devient ainsi un guide de pierre, mais aussi parce qu'il nous montre dans son style personnel ce qu'il voit dans une pierre. Une fois que vous ressentirez ses oeuvres émotionnellement, vous les reconnaîtrez toujours.

Maité Wagemans :
C'est suite à un burn-out qu'elle s'est lancée dans le monde de la sculpture.
Elle a pris conscience de provenir d'une famille d'artistes, avec un père auteur-compositeur-interprète et une grande-tante artiste peintre.
Elle n'avait pas osé suivre la voie de l'art, lui préférant la 'sécurité' d'une carrière. Mais elle a réalisé à quel point la créativité lui manquait.
Elle s'est alors inscrite à des cours de sculpture et de céramique où elle a découvert le plaisir de travailler l'argile. Depuis, elle réfléchit sculpture, elle dort sculpture, elle mange sculpture. Bref, elle vit sculpture.

Méthode :
Maité Wagemans : "Avant d'entamer la réalisation proprement dite d'une sculpture, celle-ci est d'abord une idée précise et bien définie dans mon esprit. La première phase est l'envie de traiter un sujet. Viennent ensuite les symboles, les objets ou autres éléments que je vais modeler pour aborder ce sujet. Au fur et à mesure, le projet prend forme et l'aspect technique s'affine. Je visualise les contraintes sculpturales et y apporte une solution. Quand tout est en place mentalement, le travail de l'argile commence."

Sujets :
Ce sont les émotions que Maité Wagemans souhaite exprimer qui le guident dans son travail. Les sujets qu'elle aborde sont ceux auxquels elle réagis avec le plus de sensibilité. Sa démarche créative suit donc une dynamique très instinctive.

Sujets :
Marie Thys crée un bestiaire d'une expressivité étonnante qui reflète à la fois un impressionnant travail d'observation, une passion pour l'âme animale et une profonde connaissance de la matière. Elle exploite les qualités du bronze et le revét souvent d'une patine satinée qui accroche la lumière et enveloppe les volumes de douceur. Chacune de ses sculptures révèle une intuition pointue sur l'identité et sur la nature du modèle choisi. L'illusion est d'autant plus grande quelle travaille souvent ses sculptures en grandeur nature.
(L'Evenement - Avril 2007)

Methode :
"J'ai horreur de la banalité", dit Marie Thys, "J'observe beaucoup. Et c'est seulement quand j'ai trouvé l'attitude originale que je croque sur le papier, avant de façonner la figure d'argile ou de cire qui sera coulée en bronze."
Et elle continue: "Il y a toujours chez moi un clin d'cil amusé. J'aime que les gens s'amusent."
(Le jour Huy - Waremme, 21 mai 2007)

Marie Thys raconte aussi: "Au début, je sculptais la terre que je faisais cuire. Certaines personnes souhaitaient acheter mes réalisations mais je ne voulais pas m'en défaire. La seule solution, c'était de passer au bronze, pour lequel on a huit exemplaires numerotes plus quatre épreuves d'artiste.
Le bronze est assez coûteux puisqu'il faut payer la fonderie et Ie moule mais il recèle une part de magie.
On amène sa pièce au fondeur, en terre, en plâtre ou en cire selon le sujet. Puis le résultat nous échappe quelque part puisqu'on n'a pas travaillé cette matière. Une texture très noble, agréable à toucher."
(Libre Essentiel, nov. 2007)

Martha Veldthuis:

Technique:
. Martha Veldthuis façonne à la main l'argile en figures humaines. Elle utilise en partie l'argile colorée, - c'est à dire avec des oxydes. Les sculptures sont cuites dans un four électrique à environ 1100^oC. Ensuite, elles n'ont pratiquement plus besoin d'être traitées.
Les céramiques qui sont combinées avec d'autres matériaux tels que le bronze ou le bois sont assemblées à l'aide des joints ou de la colle et après colorées. Une partie de l'oeuvre est coulée en bronze.

Thèmes:
Martha Veldthuis n'est pas intéressée par le contraste entre l'homme et la femme mais par la combinaison des caractéristiques dans chaque être humain.
Le travail d'une artiste visuel est principalement la communication.
En matière de communication, les aspects émotionnels et comportementaux fascinent Martha Veldthuis plus que le contenu de la communication ou la transmission d'informations. Elle s'intéresse au transfert de sentiments tels que l'agression, la joie, la timidité, la peur et la mort. Martha Veldthuis essaie de les exprimer dans son art.

Music:
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Patrick Van Tilborgh est infecté par le verre depuis un quart de siècle. Après une formation technique, il a commencé à expérimenter avec cette matière. Il a suivi un cours de sept ans sur le verre à l'IKA (Instituut voor Kunst en Ambachten) de Mechelen sous la direction de Koen Vanderstukken et Miloslava Svobodova. Il dispose de son propre studio de verre et d'un studio mobile pour réaliser ses propres créations et organiser des démonstrations, des évènements et des ateliers de verre. Patrick a une envie intérieure de travailler le verre sans limites. Cette matière l'intrigue, car la travailler c'est toujours une aventure si complexe. Elle offre toujours de nouveaux défis techniques et artistiques. Le verre est sa source d'inspiration ultime pour créer chaque fois à nouveau des objets d’art. La passion de Patrick van Tilborgh se reflète clairement dans ses œuvres d'art. Ils sont parfois rudes et simples dans leur forme, parfois plutôt stylistiques, mais souvent aussi colorés et ludiques avec une touche de caractère typique, propre à lui.

Philippe Stévenart :
Très présents dans ses oeuvres, le cercle et la sphère représentent à ses yeux, une certaine forme de perfection.
A la fois semblables et différents, ils se rejoignent dans la définition de l'orbe. Alors que ce dernier désignait jadis aussi bien des corps célestes que leurs trajectoires circulaires, certains, aujourd'hui, attribuent au phénomène optique du même nom, un caractère paranormal ...

Voir https://plaidsenshawls.nl/

L'escargot

Roland Menten crée de l'art avec une note d'humour qui est souvent en contradiction ou donne une vision inattendue sur notre société stressée et perfectionnée. Il a réalisé toute une oeuvre sur et autour des escargots, des grenouilles, des feuilles, des champignons, ... en bref, la nature. Dans son travail, il donne aux escargots une place d'honneur.

La beauté des oeuvres de Roland Menten est qu'elles évoluent avec la nature.

D'une part, grâce à l'utilisation de surfaces polies ou rugueuses, les lichens deviennent des spectateurs et en même temps participent à l'histoire racontée par l'oeuvre d'art.

D'autre part, par l'utilisation des couleurs différentes, les sculptures conquièrent leur place dans la nature, qui à son tour adoucit cette dominance en incorporant la sculpture dans la végétation.

Les pièces de Roland Menten se sentent chez elles, aussi bien dans un design moderne que dans un intérieur classique, dans un jardin rigide à la française que dans la végétation, mais elles suscitent toujours un sourire. :-)

Sujets :
Mythes et récits, poèmes, une chanson, une danse, les évènements dans la vie de Shirley Weiffenbach et la nature fournissent elle l’inspiration pour une multitude de personnages féminins. Elle cherche le sens le plus profond, le sens, les messages possibles dans les images de femmes et essaie de rendre visibles les pensées et les sentiments tacites dans l'argile à travers la posture et l'expression du visage.

Luc Schreiden (adapté) :
La principale originalité manifestée par les oeuvres de Toni Kanwa Adikusumah réside dans l'alliance que l'artiste réussit entre les arts premiers et l'art contemporain, entre la profondeur de l'orient et la liberté créative de l'occident. La synthèse à laquelle il parvient sublime les dualités.

Influences :
Toni Kanwa Adikusumah est né à Java, Indonésie. Il a consacré la première partie de sa vie à s'immerger au coeur de plusieurs tribus indigènes où la culture et les arts rituels étaient encore une évidence et une nécessité pour les humains. Sa connaissance des techniques ancestrales et son enracinement spirituel sont exceptionnels. Gradué du Bandung Institute of Technology, il fut pendant plus d'une quinzaine d'années expert en Art tribal pour Sotheby's et Christie's à Jakarta et Bali.

Récemment :
Depuis les années 2000, Toni Kanwa Adikusumah parcourt le monde, se laissant notamment toucher par les influences de la scène artistique européenne. L'artiste nous présente ici une série de sculptures en bois et de réalisations en bronze révélatrices du flux d'énergie vitale résultant de ce chemin hors du commun et de la dualité entre l'Est et l'Ouest.

Vincent Rousseau (texte de Michel Ducobu, adapté) :
Quelle que soit la matière utilisée, pierre, marbre, bronze, cuivre ou acier, la sculpture de Vincent Rousseau se reconnaît dès le premier coup d'oeil à sa grande sobriété.

Loin cependant de s'aligner sur un minimalisme inconsistant, elle repose sur un principe clair et ferme : rien de trop, rien d'inutile, de facile ou d'accrocheur ne doit alourdir l'oeuvre.
Et si la réduction est encore possible, si la quintessence du sujet est le seul et véritable objectif à atteindre en supprimant tout effet superflu, le sculpteur ira jusque-là, jusqu'au noyau dur, jusqu'à l'idée et à sa concrétisation la plus lumineuse.
Il a par exemple représenté un oiseau dans son vol ou son déploiement à l'extrême.

Rodin :

Virginie Buytaert a été inspirée après avoir visité le musée Rodin à Paris avec son père.

Garry Kvistad et Woodstock Chimes:
Woodstock Chimes offre une variété unique d'instruments musicaux de haute qualité et abordables qui inspirent, stimulent et apportent du plaisir aux personnes de tous âges. Woodstock Chimes propose une gamme d'instruments de musique reconnus, appelée Woodstock Music Collection. Woodstock Percussion, Inc. a été fondée en 1979 dans la magnifique vallée de l'Hudson, dans l'État de New York, où elle poursuit ses activités aujourd'hui. Le fait d'avoir été fondé par le musicien professionnel Garry Kvistad explique le fort engagement de Woodstock Chimes en faveur d'un réglage fin et d'un son exceptionnel, ce qui rend ses produits attrayants pour tous.