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Albert Vaesen (B)

Cuivre

Battre, plier, courber et souder sont mes techniques. Le bruit infernal est pour moi l'accompagnement musical de la naissance de l'une ou l'autre oeuvre d'art.


Talent du sol de Kauliller (nord du Limburg en Belgique):
Jeune homme, Albert Vaesen a commencé à sculpter le bois pendant son temps libre. Avec un marteau et un ciseau, il a donné vie à une planche ou une poutre en bois. Plus tard, il a commencé à expérimenter avec des matériaux tels que le fer, l'aluminium et le cuivre.

Albert Vaesen
Il est devenu un artiste sur métal autodidacte. Souder différentes pièces de cuivre pour former un objet expressif est l'une de ses occupations préférées. Le cuivre rouge reste son matériau de prédilection.

L'art est devenu une profession
Outre ses oeuvres d'art, Albert Vaesen travaille également sur commande. Le travail du cuivre est ainsi devenu une occupation à temps plein.

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Ann Geirnaerdt (B)

Technique de la cire perdue, bronze

Figures en bronze qui montre la force mais aussi vulnérabilité


Burkina Faso :
Pendant un séjour de trois ans au Burkina Faso (Afrique de l'Ouest), Ann Geirnaerdt a eu l'occasion d'expérimenter à plein temps la technique de la cire perdue et le moulage de ces créations en bronze. Cette expérience unique a déterminé son style de travail.

Thèmes :
Ann Geirnaerdt aborde à travers ses œuvres les thèmes de l'homme qui "cherche" continuellement, qui a besoin de connectivité, de sécurité, mais souhaite en même temps garder sa propre force. L'homme qui aspire une certaine harmonie et veut vivre pleinement dans la vie; parfois vulnérable, parfois fort, toujours à la recherche de son nid douillet, qu'il préfère également partager avec d'autres.

Matière :
La particularité de mes œuvres est l'inspiration que m'apportent les matières naturelles comme de l'écorce, des branches, des légumineuses, par leur forme, leur mouvement et leur structure. Ces matières laissent une empreinte dont je m'imprègne avec gratitude et que je façonne.

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Anouk de Groot (B)

Céramique aux couleurs gaies, bronze patiné. - thème : histoires d'animaux comiques

Sculptures narratives en céramique et en bronze


Avec ses sculptures figuratives en bronze et en céramique, Anouk de Groot crée des histoires qui sont le reflet de la vie. En utilisant des animaux et des figures humaines, elle dépeint ces histoires.

Les sujets de ses sculptures peuvent varier de contes profonds à comiques. Elle aime donc jouer avec les contrastes. La force de ses sculptures réside dans leur humour et leur imagination.

L'élaboration de l'art d'Anouk de Groot combine l'artisanat avec une finition détaillée.

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Anusch Bayens (B)

Verre

Objets en verre montrant la dualité du matériau et des techniques, exprimant la dualité de la vie d'Anusch Bayens.


Anusch Bayens :
Ma passion pour les perles et leur histoire m’a amenée au travail du verre dans ses différentes techniques à chaud et à froid.
Le verre est un medium aux possibilités d’expressions infinies qui offre la transparence et l’opacité, la plasticité et la dureté, la douceur et la rugosité …
C’est cette dualité du verre que j’aime explorer, comme un reflet de mes racines à la fois africaines et européennes, ainsi que de mes lieux de vie en Belgique et en Italie.
Mon travail s’ancre dans mon histoire personnelle ainsi que dans les liens tissés avec l’Afrique depuis mon enfance. Mon oeuvre est à la fois trés personnelle mais elle se veut aussi universelle.

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AXEL & KÈTUL (B)


Axel :
Axel commence à peindre en 1992, attiré par la culture hip-hop et l’esprit litigieux du graffiti.
L'artiste a du mal à trouver sa place dans une société où tout est gris et bétonné. Axel veut faire parler les murs, les colorer, effacer leur tristesse.
Ses toiles expriment, comme chacune des ses signatures de l’époque, une idéologie positive parsemée de joie, de bonheur, de déception et de réalisme.
Les couleurs lui permettent d’égayer les endroits qui sont le décor de notre vie, de mettre de la joie là où les mines sont grises.

Kètul :
Kètul est fasciné par les paysages qu'il met en évidence en créant des monolithes comportant une sorte de hublot, de fenêtre invitante, … pour (re)découvrir la splendeur des plantes spontanées et/ou cultivées. Le travail de la terre crue est au centre de sa recherche conceptuelle. La face lisse de ses pièces invite des autres artistes à créer ... pour encore davantage favoriser le dialogue avec la nature.

Méthode de travail
Avant de commencer l'oeuvre, Axel et Kètul ont réalisé plusieurs croquis de l'installation, qui tenaient compte de l'emplacement et de l'atmosphère du lieu. Les esquisses divisent l'installation en éléments, qui sont aisément maitrisables et transportables.
Chaque pièce a besoin de supports pour stabiliser la pièce dans le jardin sans utilisation abusive de matières premières

Pour le moulage des éléments, Kètul a créé un moule dans une couche de terre limoneuse bien compactée. Après avoir rempli le moule d'un mélange de granulats et de ciment, les surfaces encore visibles sont structurées. Ces surfaces seront ensuite peintes par Axel à l'aide de techniques de street-art (spray painting). Les autres surfaces contiennent de la terre crue qui, avec le temps, s'éroderont lentement et seront recouvertes de lichens et de végétation.
Le moule ne peut être utilisé qu'une seule fois et un nouveau moule est nécessaire pour chaque élément de l'installation.

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Bénédicte Maréchal (B)

Céramique

Des scènes de vie en terre, résine ou bronze


Bénédicte Maréchal, ses facettes d'artiste se déclinent en chansons, sculptures, carnets ou peintures. Ces moyens d'expression s'entrecroisent et se complètent. Elle sculpte depuis 2012 à l'atelier 'Art et Ose', principalement la terre mais elle propose aussi des résines et bronzes. Artiste multidisciplinaire (aussi carnets de voyage et musique) elle aime capter en 3D des moments pris sur le vif (enfants aventuriers, naïade au bord de l'eau) ou prendre un point de vue décalé (têtes vidées comme des masques).

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Brigitte Danse (B)


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Chris Engels (B)

Bronze, Céramique

Combine des matériaux froids, morts et pétrifiés en des oeuvres d'art étonnamment mobiles, vivants et chauds


En travaillant L'ARGILE , Chris Engels transmet son humeur et ses sentiments dans ses oeuvres.

Le processus de cuisson donne une patine ineffaçable à la CERAMIQUE.
Le FER est plié et forme des objets en mouvement.
Le BRONZE acquiert une forme d'existence éternelle après la fusion.
Le BOIS mort revit.
La PIERRE froide dégage soudainement une sorte de chaleur.

Une combinaison de ces matières premières présente un défi et offre des résultats surprenants.

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Christian Delory (B)

Ferraille


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Christine Ceccato (B)

Céramique

Mes sculptures sont résonances d'être, lien entre Matière et Esprit, symboliques où animalières


Éducation :
Après un bref parcours dans l'enseignement, Christine Ceccato obtient en 2 ans son diplôme d'arts du feu avec les félicitations du jury dans le 'CRAFT - Centre de recherche sur les arts du feu et de la terre' de Limoges. Elle bénéficie d'un échange entre écoles pour suivre une formation à l'école d'arts à Farnham en United Kingdom et un stage à Sars Poterie.

Démarche créative :
Christine Ceccato travaille le grès et la porcelaine dans des sculptures monumentales ou plus petites ainsi que des objets du quotidiens revisités. Sa démarche créative s'inspire du sens du sacré ou la beauté intérieure et extérieure se reflètent l'une dans l'autre comme dans une danse de la vie.
Ses sculptures ou objets du quotidien émanent une énergie sereine, un enthousiasme pour la vie qui se traduisent par une sobriété ou une exubérance joyeuse.

Thèmes :
Ses sculptures prennent racines dans les mythes Égyptiennes, les récits folkloriques et même dans les contes et les fables. Christine Ceccato montre une interprétation personnelle de ces histoires. Elle est donc bien placée pour exposer dans 'Le Jardin Enchanté 2021' sur le thème 'Les Créations Fabuleuses'.
La technique d'elle se met au service de la beauté avec des émaux chatoyants ou encore avec des contrastes de terres brutes ou délicates.

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Christoph Goldberg (B)


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Cor de Ree (B)

Des œuvres d'art créées en verre, cuivre et zinc ayant une fonction utile et esthétique et d’une style Art nouveau avec une interprétation unique.


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Daniël Olislaegers (B)


Ce qui me frappe dans l'œuvre de Daniel Olislaegers, ce qui m'a frappé dès le début, c'est la très grande diversité de créations, diversité qui s'exprime autant par les formes que par les techniques utilisées. A quoi j'ajoute, le côté « perfectionniste» de l'artiste. Ce qu'il fait sort d'une imagination jamais prise en défaut, mais avec le souci de réaliser une œuvre sans bavure, parfaite. On peut s'étonner du fait que Daniel Olislaegers n'a commencé sa vie d'artiste que bien tard, à ses 40 ans. Sorti d'une grave crise tant morale que physique, le voilà se reforgeant une personnalité au travers d'une création artistique ardue, ne rechignant pas devant les difficultés. Ce défi il me semble l'avoir magnifiquement affronté, comme en témoigne son œuvre. Ses premières œuvres sont de grandes toiles faites à la peinture acrylique. Ses représentations sont des figures parfois échevelées, mais toujours porteuses de symboles. Très expressives elles ont donné lieu au commentaire d'un sculpteur qui y voyait « de la sculpture sur toile ». Cela l'a incité à se lancer dans la sculpture. D'abord en terre, mais obliquant très vite vers le bronze, discipline complexe s'il en est ! Il façonne des têtes et bustes de Beethoven, qui sera toujours un de ses thèmes d'inspiration, même dans le non-figuratif : le type de l'homme épris de liberté, mais prisonnier de ses limites tout en voulant les dépasser. ll fera quelques grands bronzes, mais surtout de nombreux personnages qui se cherchent, par lesquels s'exprime le problème de la communication entre humains, où espoir et désespoir s'affrontent. La majeure partie de son œuvre récente réside dans le travail du verre. Il s'est perfectionné dans une technique très peu pratiquée, difficile, notamment celle du verre coulé. La forme de verre ainsi produite au départ d'un moule est alors insérée dans un matériau sculpté lui aussi, pierre de taille ou marbre, bois ou métal, travertin ou terra-nova. Cette juxtaposition de matériaux, parfois très brute, fait qu'aucune œuvre n'est pareille à l'autre, nous y trouvons une étonnante diversité de formes et de conception. Chaque œuvre est le produit d'un concept élaboré avec précision, et s'intitule comme étant un message de civilisations éloignées, perdues, oubliées. Comparons avec ce coffret déposé par les astronautes sur la lune, et destiné à être découvert par des créatures inconnues. Le titre de chaque œuvre est ainsi une clé. Au spectateur de faire sa part de travail, pour qu'il découvre les secrets cachés de l'œuvre. L'œuvre dans son ensemble est imprégnée d'une créativité et d'une vitalité, qui témoignent de l'effort fait pour dépasser toute épreuve, se dépasser soi-même, dompter la matière. En même temps elle est aussi signe d'une réceptivité à tout ce que peuvent nous apporter les hommes de tous les temps, de tous les horizons. Carlo Kockerols

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Diane & Denis Susswein (RhinoVerre) (B)

Céramique, Verre, Verre fusionné (Fusing)

Verre fusionné (Fusing) et perles de verre au chalumeau


Diane & Denis Susswein :
Ils se sont initiés au verre au chalumeau chez Septy Bechou, au fusing et au thermoformage chez Véronique Duterne.
Le verre est une matière qui respire la légèreté. Translucide, le verre autorise à jouer avec la lumière et oblige les artistes à s'imaginer l'oeuvre dans son environnement dès sa conception.

Fusing :
Le fusing commence avec la découpe, suivi de l’assemblage et la superposition de plaques de verre colorées. Après la pièce est mise au four pour la ‘fusion’.
Les pièces de fusing exposées ici ont été créés pour donner vie aux espaces verts. Vous pouvez aussi les accrocher au mur ou encore mieux devant une fenêtre pour faire vivre plus intensément le jeu chromatique du verre.

RhinoVerre :
Les perles au chalumeau, une technique méticuleuse à hautes températures utilisée à Murano - Venezia, est employée ici pour la création des petits rhinocéros. La perle est d’abord formée autour d'un mandrin. On y ajoute des points, des tiges, des murrhines, - qui forment la couche colorée. Après, il reste encore le travail délicat des membres et les détails de la tête et finalement la queue.
Chaque rhinocéros est unique en forme, en couleurs et scintille au soleil.
Les quelques 1300 'RhinoVerres' forment une famille multicolore, personnalisée et ludique.

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Didier Becquart (B)

Bronze, Composite, Plâtre


Ces dernières années, j'ai eu le besoin d'explorer le monde des insectes. En exploitant ma technique figurative, j'ai observé les différentes étapes des métamorphoses des insectes. Une petite idée a fait son chemin dans mon esprit. Modifier la dernière étape vers un début de transformation "Humanoïde". Un parallèle avec le roman de FRANZ KAFKA qui raconte l'histoire d'un jeune garçon qui se lève le matin avec une tête d'insecte. A la différence de l'auteur, j'ai inversé le sujet. Mes 30 dernières années d'expérience dans le travail du bronze m'ont permis de réaliser ces sculptures imaginaires.

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Edith Janzen (B)

Bronze; thème : Animaux

Des figures animales raffinées en bronze, parfois drôles, qui semblent familières


Edith Janzen :
Il y a près de 20 ans, Edith Janzen a décidé de répondre à son besoin de créer en créant des sculptures. Au début, elle a pris des leçons chez la sculptrice Inez Warnaar. Pendant quelques années, elle s’est exclusivement inspirée par des modèles, ce qui l'a donné une bonne base pour son développement artistique.

Thème :
Au début, les œuvres d'Edith Janzen étaient inspirées par l'illustrateur et graveur du XIXe siècle, Grandville, dont ses illustrations dénoncent la société en France vers 1830.
Elle aime la vie et tout ce qui est doux. Parce qu'elle ne connaît pas la malice, elle est très attentive et affectueuse dans son travail. Il est naturel qu'avec le temps, vous en veniez à aimer ses figurines comme de la famille chère.

Sujet :
Edith Janzen est un sculpteur qui a un grand sens de la réalité de la société. Comme de nombreux artistes, elle exprime ses idées en figures animales, qui semblent familiers et en même temps aliénants. Le raffinement de la finition ressent très naturel. C'est comme si nous reconnaissons les sculptures.

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Edith Stoel (B)

Bronze, Verre en collaboration avec Peter Olijve

Trouver un équilibre en utilisant la transparence, la massivité et le fait d'être "porté"


Edith Stoel;
Mes objets combinent le verre, le bronze et la pierre. Chaque matériau a sa propre forme d'expression avec laquelle je joue. Je recherche un équilibre en utilisant la transparence, la masse et le fait d'être 'porté'.
Mais le verre peut aussi avoir un aspect massif et le bronze peut paraître léger et transparent. La recherche d'une expression de ces expériences émotionnelles et l'utilisation des différents matériaux me fascinent sans cesse.

Peter Olijve:
Ces dernières années, Edith Stoel travaille avec son partenaire Peter Olijve. Leurs idées se complètent. Une idée d'Edith commence par une forme, par exemple la forme d'une pièce d'écorce qu'elle a trouvée. Peter, avec ses connaissances et ses compétences techniques, examine si c'est techniquement faisable et comment réaliser l’idée. Parfois, ils adaptent l'idée, mais la plupart du temps, les sculptures s'équilibrent à la limite de ce qui est techniquement faisable afin de donner une expression à l'idée originale d'Edith sans le nécessité des compromis.

Sujets :
Les sculptures en bronze d'Edith Stoel présentent principalement des animaux. La forme anatomique parfaite n'est pas ce qu'elle veut montrer. Créant une sculpture elle recherche ce qu'elle considère comme le prototype de l'espèce animale : la force, la résignation, l'introversion, ...
Durant le processus de la création, souvent le caractère de l'animal se forme, qu'elle renforce ensuite. La forme d'expression n'est pas lisse ou univoque, ses animaux sont des fragments de pensées sur leur être.

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Els & Tom Bleijenberg (B)

Céramique. Thème : Oiseaux

Céramique souriante. Un regard joyeux sur le monde


Els & Tom Bleijenberg :
La vision humoristique du 'monde' d'Els et Tom est présentée dans des céramiques amusantes conçues à la main.
Trouver la meilleure expression du visage, la pose correcte et ensuite la couleur appropriée correspondant à leur idée de départ constituent de fameux défis.
Chaque oeuvre est unique et reçoit un nom propre. Enfin, les artistes y apposent leur signature.

Technique :
Après séchage, les créations sont cuites plusieurs fois dans un four électrique à puissance contrôlée par ordinateur.
La première cuisson du biscuit se fait à 980 °C comme pour les pots de jardin, ce qui rend l'argile suffisamment solide pour l'application d'une décoration et/ou d'une glaçure.
Ensuite, Els & Tom Bleijenberg appliquent sur l’ensemble une cuisson de grès porté à 1245°C.
Parfois, une troisième cuisson suit pour ajouter un lustre ou une décoration supplémentaire.

Glaçures et pigments :
Avec des (sous-) glaçures et des pigments (oxydes métalliques), les créations obtiennent la couleur et l'aspect souhaités. Ces différentes techniques sont réalisées au pinceau, à l'éponge ou au pistolet, quelquefois en plusieurs couches. Parfois, ils laissent certaines parties incolores pour préserver la structure originale de l'argile.
Finalement, Els & Tom appliquent une glaçure brillante et transparente dans une cabine de pulvérisation. Après séchage, les oiseaux sont cuits à 1245°C.

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Else Ringnalda (B)

Elle imagine l'homo ludens dans un monde où les gens et la nature se traitent mutuellement avec respect.


Else Ringnalda s'inspire de la question de savoir à quoi ressemble le monde idéal. Un monde dans lequel les gens se traitent mutuellement et traitent la nature avec respect. Else Ringnalda réalise des sculptures de l'Homo Ludens. Elle voit ses sculptures comme des figurants dans une utopie. Ces Homo Ludens sont des personnes qui découvrent et développent leurs talents. Ils offrent de l'espace et admirent les différences des uns et des autres. Certaines des sculptures se balancent, d'autres flottent sur l'eau, se déplaçant sous l'influence du vent et du courant. Cela donne l'impression de créer un théâtre sur l'eau où une scène différente peut être vue à chaque fois. Ringnalda réalise des sculptures androgynes pour souligner l'égalité entre les gens. Leur forme est créée en manipulant la réalité, par exemple en allongeant les membres ou en élargissant les épaules et en omettant des détails. Les personnages sont introvertis sans suggestion de mouvement ou d'expression non équivoque. Ils semblent perdus dans leur jeu. (Texte repris du site web de Else Ringnalda)

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Elya Yalonetski (B)

Combiner l'école russe de céramique avec des éléments baroques et Renaissance dans les sculptures et figurines


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Etienne Careme (B)

Métal et objets recyclés - thème: donner une deuxième vie (après 13 aout 2021)

Redonner une seconde vie aux objets en ajoutant de l’humour et de poésie


Thème :
Etienne Careme a commencé son activité artistique par le détournement d’objets (luminaires, horloges, personnages, mobilier, ...) pour leur redonner une seconde vie en ajoutant de l'humour et de poésie.
Souhaitant élargir sa créativité, il a réalisé des sculptures métal, essentiellement destinées aux jardins. Cela lui permet d’illustrer, de manière plus large et plus libre, ce qui lui interpelle, inspire et faire la référence à certaines de ses valeurs.

Etienne Careme :
Outre le fait que les mouvements forgés dans l’acier créent la vie dans les sculptures, leurs réactions aux différentes lumières du jour et des saisons, participent pleinement au renforcement des sensations.
Une partie importante de mes sculptures intègrent des personnages dans des scènes où se mêlent poésie, sérénité, humour voire philosophie.

Etienne Careme ne conçois pas un jardin sans sculpture. En effet, si la nature peut bien entendu se suffire à elle-même, les sculptures constituent une présence permettant à l’imaginaire de gambader. Et ainsi d’apporter au lieu une touche supplémentaire de poésie.

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Friedy Evers-Duijsters (B)

Bronze

Femmes rondes qui rayonnent de calme et de sécurité


Friedy Evers-Duijsters :
Friedy Evers-Duijsters s’est inspirée de la nature des femmes. Ses sculptures respirent le calme et la sécurité.
Elle met l'accent sur les formes rondes de la femme, qu'elle dépeint de manière stylisée, à la recherche du cœur de la vie, de l'âme de la femme.

Amérique du Sud :
Pendant vingt ans, Friedy Evers-Duijsters a vécu hors des Pays-Bas, dont trois ans et demi au Mexique. Cette période a eu une influence importante et durable sur son travail. Les femmes indiennes actives sur les marchés la fascinaient. Dans leurs costumes traditionnels, elles étaient assises tranquillement près de leur marchandise. Elles ne semblaient pas être dérangées par le monde pressé qui les entourait.

Vision :
Les sculptures de Friedy Evers-Duijsters rayonnent de paix intérieure (sérénité), de chaleur et de contentement. Des choses dont nous avons tellement besoin de nos jours. Alors, détendez-vous, fuyez le stress de la vie courante et revenez un peu à une existence plus simple et plus sereine. Enfin, osez en profiter.
Ses nombreux voyages font que ses œuvres sont répandues dans le monde entier.

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Hendrike Huijsmans (B)

Verre, métal et polyester - Thème : oeuvre organique, abstraite et monumentale

Formes monumentales abstraites, organiques et colorées, combinant le verre, le métal et le polyester


Design:
L'œuvre de Hendrike Huijsmans se caractérise par son caractère ouvert, ses couleurs vives et ses lignes claires, épurées mais fluides. Ils montrent le mouvement et la vivacité.

Abstrait mais organique :
Hendrike Huijsmans aime à créer des structures abstraites. Les formes organiques libres qui semblent croître et chercher leur chemin la fascinent énormément.
Les oeuvres, presque toujours colorées et monumentales, ont une impact positive aux visiteurs.

Combinaison de matériaux :
Hendrike Huijsmans aime travailler avec l'acier, le verre et le polyester et leurs combinaisons. Les possibilités de forme et de couleur de ces matériaux sont presque illimitées.
Ils sont donc très adaptés à la création des sculptures fluides et libres qu'elle souhaite montrer.

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Henk Baggerman (B)

Pierre

Formes abstraites en pierre naturelle inspirées par la nature


Matériaux :
Henk préfère sculpter dans des pierres naturelles telles que la stéatite, l'albâtre, le marbre, la serpentine et la sélénite. Il fabrique lui-même les socles en bois et en pierre.
La forme et la couleur de la pierre brute déterminent principalement la sculpture qu'il veut réaliser.

Méthode de travail :
Parfois, Henk Baggerman démarre d'abord avec un prototype complet d'une sculpture, - qu'il s'imagine, - dans un bloc de béton gazeux ou de plâtre. Si cela s'avère satisfaisant, il cherche une pierre appropriée pour réaliser la sculpture. La réalisation d'une sculpture prend parfois plus de 100 heures.

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Hermien Buytendijk (B)

Céramique


Hermien Buytendijk:
Les sculptures sont souvent réalisées à partir d'une esquisse qui évolue au cours de la création. Il est également possible qu'elles soient modelées d'après un mot ou un titre. Inversement, le titre se présente souvent comme un résultat d'un jeu de questions-réponses avec la sculpture. Ainsi, de nombreuses combinaisons de mots folles sont créées et les sculptures et ses titres sont toujours différentes et uniques.

Les sculptures sont creuses, construites avec des bandes d'argile (grès ou porcelaine) qui sont pétries et bosselées. Souvent, Hermien Buytendijk travaille simultanément aux plusieurs sculptures à différents stades de développement.
Elles sont d'abord peintes à l'aide des feuillets de couleur entaillés dans l'argile et ensuite cuits au four à 900 degrés. Ils sont ensuite frottés avec des colorants à base de poudres métalliques, puis émaillés et cuits à un minimum de 1200 degrés et souvent suivi d'une cuisson à 800 degrés pour bruler un peu d'or.

Hermien Buytendijk pour Galerie 'T':
Hermien met la vie en perspective grâce à des sculptures en céramique qui balancent entre rêve et réalité.

Ses sculptures font souvent quelque chose qui n'est pas tout à fait possible, elles semblent simplement échapper à la réalité mais en donnant à elle une impression très nette. Avec humour et double sens, Hermien Buytendijk crée des créatures que tout le monde reconnaitra avec le sourire. Les figures humaines et animales se mêlent aux instruments de musique et aux objets différentes pour former des pièces uniques et originales et chaque sculpture reçoit un nom propre.

Les sculptures sont nées d'une fantaisie inspirée de la vie, tous différents et surprenants.
Les sculptures sont souvent placées sur des piédestaux de bois ou de pierre qui sont décorés de manière correspondante.
Les oeuvres reçoivent des couleurs de la terre avec des touches d'or et des éléments graphiques.

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Hieke Meppelink (B)

Bronze

Pour moi, céramic est comme un chant dans l'argile


Hieke Meppelink:
'Je commence généralement par une idée, un concept qui est souvent inspiré par la musique vocale classique. En chantant, je vois des images, je suis inspiré, je suis touché. J'essaie de rendre visible ce qui semblait d'abord invisible.
La transformation est le mot clé de mon processus créatif.
Le chant est la transformation de sentiments en sons fugaces, et par essence, je vois sculpter ou créer comme un processus similaire, mais en utilisant maintenant des matériaux solides et bruts comme l'argile et le bronze.'

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Irene van der Does de Bye (B)

Verre


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Jack van Iwaarden de Vreede (B)

Bronze, Corten, Acier - Thème : Personnages et idées en quelques traits

Des figures raffinées en bronze, en corten ou en acier, dessinées avec quelques lignes simples


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Jacques Raemaekers (B)

Matériaux et équipements de récupération

Recyclez pour prolonger la durée de vie. Des solutions par une recherche inventive


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Jan Leenknegt (B)

Un artiste passionné et dévoué au verre. Sculptures tridimensionnelles aux formes organiques complétées par du verre plat soufflé à la bouche.


Jan Leenknegt se consacre au verre.

Depuis plus de 45 ans, il est un artiste du verre passionné qui crée des sculptures en verre tridimensionnelles. Il combine un design organique avec du verre plat soufflé à la bouche.

Jan Leenknegt décrit son travail comme suit : "Tout ce que je fais est de la plus grande évidence, c'est ce que je fais, toute ma vie. Ma créativité, c'est ma vie, mon univers. Je crée mon propre monde et je veux toujours créer".

Son travail s'articule autour de plusieurs thèmes : les éléments, l'univers, le microcosme, bref, la vie sur et autour de cette planète sous toutes ses formes.


Réimpression de 'Het Laatste Nieuws' (Lieke D'hondt 24-02-20)

Enfant, Jan Leenknegt entre et sort de l'atelier de son père, qui fabrique entre autres des vitraux pour les églises. "A l'âge de cinq ans, je copiais déjà les vitraux de mon père. J'ai aussi beaucoup dessiné dans ma jeunesse, j'ai visité des musées et des expositions avec mon père et je suis allé à l'académie d'Audenarde", dit Jan. Je me souviens qu'à l'école primaire, j'avais fait un dessin d'un champ de maïs, avec des points et des lignes, plus dans le style de Van Gogh que dans le style "propre" que le professeur avait à l'esprit. Il a écrit "sale" au marqueur rouge, mais mon père m'a complimenté. Cela montre simplement que l'art est personnel".

Comme son père, Jan a continué l'art du verre, bien qu'après un certain temps, il se soit surtout concentré sur la sculpture. Le style organique aux couleurs vives le caractérise. "J'essaie toujours d'apporter un message positif et d'incorporer des mouvements ascendants dans les sculptures. Je trouve mon inspiration tout autour de moi dans le cosmos, l'univers et la nature. En fait, je suis constamment occupé par cela, même quand je dors. Partout, je vois quelque chose qui me met au défi et me fait réfléchir. Chaque jour, je mets de nouvelles idées sur le papier. J'essaie de ne jamais me répéter, il y a toujours une évolution dans les images que je fais. Je pense néanmoins qu'il est important que les gens voient immédiatement qu'une oeuvre est la mienne.

Les sculptures de Jan Leenknegt sont un exemple fort de savoir-faire artisanal, auquel sa femme Daniëlle contribue également. Après un dessin à l'aquarelle et un agrandissement à la taille réelle, Daniëlle réalise la ferronnerie de la sculpture. Celui-ci doit ensuite être nettoyé dans des bains de zinc chauds et verni. Ensuite, Jan peut couper et broyer le verre pour l'incorporer dans les sculptures. "Mes sculptures exigent beaucoup de travail technique. C'est un défi, tant pour l'esprit que pour les mains", déclare Jan. "Le fait que nous puissions réaliser ce métier nous-mêmes est important pour moi. Même si cela peut parfois mal tourner : les pièces de verre les plus chères sont souvent les plus fragiles. Lorsqu'une telle pièce est brisée, on peut entendre les jurons dans le studio".

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Jan Verschueren (B)

Un univers alternatif poétique


Tone Aanderaa:
Jan Verschueren trouve des morceaux de métal, des restes d'objets, des déchets et de la belle ferraille. Il les soude, parfois de manière apparemment aléatoire ou négligente, parfois de manière soigneusement planifiée.
Un nouveau monde se développe, de nouvelles machines sont créées, puis habitées.

Le résultat est fantastique, ludique, plein d'humour, et puis il y a ce sentiment presque indescriptible, une tristesse, une mélancolie, mais certainement humain.

Tout ce qui en fait de la poésie.
Et, comme pour la plupart des artistes poétiques, les titres sont importants.

Jan Verschueren joue avec les sens, et il joue avec les mots d'une manière des plus charmantes !

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Jean-François Constant (B)

Verre

Travaille sur des morceaux de verre qui furent réalisés à l'aide de pochoirs (Technique du XIVème siècle)


Au cours de ma carrière de restaurateur de vitraux, exercée principalement dans les églises, j'ai eu l'occasion quelques rares fois de travailler sur des morceaux de verre qui furent réalisés à l'aide de pochoirs. La technique naît au XIVème siècle, quand les vitraux commencent à perdre, petit à petit, leur usage premier et se mettent au service des différents pouvoirs en place sous forme de blasons représentant les familles influentes de l'époque. Le fond du vitrail, sert alors uniquement à mettre en valeur les blasons : il est composé de motifs végétaux répétitifs ("damasse") ou de motifs géométriques à résilles serrées ("cages de mouches"). Pour ces fonds répétés des centaines de fois dans la verrière, les verriers utilisent les mêmes pochoirs réalisés en plomb ou en zinc par des dinandiers. Leur usage n'est pas commun : il a été délaissé aux XVIIème et XVIIIème siècles, a retrouvé un regain d'intérêt de la part des maîtres verriers au XIXème siècle pour être complètement oublié au XXème siècle. Je n'ai jamais aimé le verbe "perdre" et encore moins "technique perdue/disparue". Je pense au mot de Pascal Quignard : "Les arts n'ont pas pour destin, comme fait l'histoire, d'organiser l'oubli. Ni d'engloutir le savoir d'autrefois. Ni d'anéantir l'ailleurs du temps."

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Jean-Luc Absil (B)

Bronze, Résine

Atteindre l'inaccessible émotion


Jean-Luc Absil (texte adapté):
Jean-Luc Absil crée ses sculptures en argile et en cire; il réalise les coulées en bronze et en résine.

Il a le souci du détail, il est dans la recherche constante de l'élégance, de l'émotion que suscite le corps féminin dans sa réserve ou sa provocation.
La sensualité naturelle de la Femme qu'il représente incite le spectateur à un regard serein dans le respect de la nudité.

En magnifiant, voire en divinisant son sujet, il touche au Féminin Sacré.
Jean-Luc Absil tente d'atteindre l'image totale de la Déesse Femme.

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Jean-Pierre Belaen (B)

Feuille en bronze, Cuivre

Des figures uniques d'oiseaux et de grenouilles, de haute qualité technique et artistique, dans un style très personnel


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Joël Sadaune (B)

Feraille, Métal

Redonner vie aux matériaux et objets de récupération pour révéler des paysages et scènes de vie


Galeries Barissardo & Au 45 (Isabelle et Hervé Venet)(adapté et étendu) :
Architecte de formation et doté d’une expérience de scénographe d’exposition, Joël Sadaune s’exprime au travers d’œuvres picturales mettant en scène des espaces semi abstraits, emprunts de références de notre quotidien, comme les réseaux urbains ou encore virtuels, d'ordinateurs ou des sites industrielles
Il invente avec des pièces de rechanges des véritables machineries si nécessaire dans notre vie quotidienne.

De la peinture à la sculpture, Joël Sadaune crée des univers à l’ambiance industrielle, sur fond de décors riches de détails : marquage, symboles, messages, traces, déchirures … il aime user du vocabulaire lié au packaging : des flèches, chiffres, codes-barres, inscriptions au pochoir … qui sont autant de représentations lui permettant de borner ses œuvres et à quitter l’univers abstrait de leur création.

Le fruit de son travail résonne comme une invitation à explorer, disséquer, décrypter et voyager aux confins d’un monde fantastique, moderne et design.
Chez Joël Sadaune, rien d’hasardeux non plus ! L’originalité de ses créations fait en effet l’objet de travaux de recherche, car l’artiste aime observer, détailler, comprendre les univers qu’il réinterprète ensuite, pour exprimer son art en extériorisant sa sensibilité.

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Korpus Quartet (B)

Quatre jeunes cornistes

Korpus Quartet runit quatre jeunes cornistes issus de quatre conservatoires diffrents, venant de divers pays et parlant diffrentes langues. Le Korpus Quartet joue un rpertoire aussi diversifi que ses membres. Le samedi 21 aot 2021, ils joueront de la musique dans le jardin entre 15h00 et 17h00.


Jonathan van der Beek :
Il a une vingtaine d'années, vit en Vlaams Brabant et étudie avec Luc Bergé au Conversatoire Royale de Bruxelles. Il est sélectionné pour le concours 'Jeunes talents belges 2021'. Fin juillet 2021, il est désigné comme membre de l'orchestre Theresia, Salzburgh, Autriche, pour les 3 prochaines années.

Tanguy Aerts :
À l'âge de neuf ans, il succède à son grand-père et à son arrière-grand-père et commence à prendre des cours de musique au Koninklijke Fanfare Sint-jozef à Leopoldsburg. À l'âge de 14 ans, il a commencé à jouer du cor. Depuis septembre 2018, il suit des cours au Koninklijk Conservatorium Antwerpen avec Rik Vercruysse. Tanguy a déjà participé aux masterclasses avec Olivier Darbellay, John Logan et René Pagen et a récemment joué sous la direction de Roland Boër et avec des orchestres tels que Prima la Musica, Royal Harmony Orchestra Schelle, Amaj young symphonic, Frascati Symphonic, KJO de Haarlem et d'autres. Il dirige également l'orchestre de jeunes de l'association musicale Orbis de Leopoldsburg et donne des cours privés de cor.

Loïc Cerfontaine:
Il est né et grandit dans la région d’Eupen en Belgique. Il a commencé jouer le piano à l'âge de sept ans, et il a appris le cor à huit ans avec Nico De Marchi. Depuis 2015 il suivit les cours à l'imep de Namur dans la section "Jeunes-Talents". Il continue a joué les deux instruments avec Nico Demarchi pour le cor et Roberto Giordano pour le piano.

Urmin Nes Majstorovic:
Il est né à Belgrade (Serbie). Il commence son apprentissage à 5 ans, d'abord avec le violon et piano et puis avec le cor. Après avoir fini les secondaires musicales pour les trois instruments, il décide de se spécialiser dans le cor. Il entre à l'Acadelie des beaux arts à Novi Sad. Deux ans plus tard, il décide de quitter la Serbie et de poursuivre ses études à Bruxelles. Aujourd'hui il est étudiant de 2ème année de Conservatoire Royal de Bruxelles, dans la classe de Monsieur Jean-Pierre Dassonville.

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Lebuïn D'Haese (B)

Bronze et céramique

Un seul sujet : l'être humain en bronze ou en céramique


Vision :
À travers son œuvre, Lebuïn D'Haese communique avec le public, lui donnant un aperçu de sa pensée. Pour lui, 'être un artiste' n'est pas sans obligation. L'art pour l'art n'est rien pour lui. Il est un artiste engagé qui n'a qu'un seul sujet : l'être humain. (Gui Kestens)

Luc Clerinx :
Lebuïn D’Haese a une vue légèrement ironique sur ‘la comédie humaine’, il regarde ‘l'homme et sa misère’ de manière émotionnelle. Ce qu'il voit et comment il le voit prend vie dans ses sculptures.
Il pense en sculptures, il agit en sculptures. Un concept sobre, l'omission du superflu, le contrôle rigide de ses propres émotions, font que l'implication dramatique dans ses sculptures ne déborde pas.

Frank De Vos :
Les bras tendus de Lebuïn D’Haese, qui reviennent dans beaucoup de ses figures, sont frappants ; de longs bras qui sont lancés comme des ancres vers le ciel ouvert.

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Lieuwke Loth (B)


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Loes Knoben (B)

Bronze

'Branches' en bronze montrent des femmes pleines d'élégance, de mouvement et d'expression. Les lignes de l'oeuvre expriment l'émotion que l'on retrouve sur les visages


Les bronzes de femmes ( ?) de Loes Knoben montrent l'expression, le mouvement et la puissance.

Loes Knoben recherche toujours de bois, de branches et d'écorce, érodé par le vent et les intempéries. Elle y cherche dedans la force, le rythme et l'équilibre. Elle entame un voyage de découverte vers de nouvelles oeuvres d'art.
Les matériaux naturels utilisés laissent leur empreinte dans ses sculptures. Les brindilles de bois deviennent des bras et des jambes.

L'art de Loes Knoben reflète sa vision de la vie, son talent pour observer les gens, déchiffrer leurs sentiments et les traduire en des beaux bronzes expressifs.

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Luc Leroy (B)

Pierre

Mobiles en morceaux de pierre récupérés (Stone Upcycling)


Avec les pierres en mouvement dans le vent Luc Leroy vous invite à un voyage intemporel à travers la pierre bleue. Ils exposent aussi les contrastes entre la géométrie, l'originalité et l'imperfection de la matière.

Les mobiles vous intègrent dans l'univers de la passion de Luc Leroy pour la sculpture, qui se balance à la frontière de l'art et du design brut.
Luc Leroy montre avec les mobiles que la pierre est en fusion respectueuse avec la nature.

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Luk Luts (B)

Pierre - Thème: messages pétrifiés et femmes encapsulées

Libérer les messages pétrifiés ou les statues de femmes de leur vieille coquille de pierre


Avec une vigilance innée à la beauté de la nature, Luk Luts "va au fond" des différents types de pierres.

Il utilise à la fois le grès de Mergel, comme le grès de fer de Diest, des pierres françaises, des pierres bleues belges et irlandaises, le beau mais délicat Noir de Mazy, le marbre italien unique Bianco Statuario et les opales colorées et et le Springstone du Zimbabwe.

Clarifier le message fossilisé imprimé dans la masse de pierre ou libérer les statues féminines de leur ancienne enveloppe de pierre est son obsession.

Luk Luts est l'homme qui est passé de professeur d'école à professeur de pierre. Non seulement parce qu'il comprend de mieux en mieux la pierre et devient ainsi un guide de pierre, mais aussi parce qu'il nous montre dans son style personnel ce qu'il voit dans une pierre. Une fois que vous ressentirez ses oeuvres émotionnellement, vous les reconnaîtrez toujours.

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Marc Hadermann (B)

Verre


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Marie Biesmans (B)

Verre

Mouvance


Marie Biesmans :
Ceramiste, je me suis orientée vers le verre, cédant a la magie de la lumière et de la transparence.
Nature, terre et lumière, les elements indispensables a mon equilibre et a ma sérénité.
Mon œuvre est un voyage à travers le verre dans un univers en constante mouvance.
Notre planète terre est bleue, toute en lumière et plein de poésie. Préservons le car sans elle nous n'existons plus.

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Marie Bonhoure-Marsillach (B)

Mosaïque. Travaille avec Etienne Careme (à partr du 13 aout 2021)

Mosaïques inspirées par Barcelone, Gaudi, la mer et Niki de St Phalle


Marie Bonhoure-Marsillach est d'origine catalane et s'est installée dans le nord de la France.
Elle a été inspirée par Florence Arthaud, première femme à avoir remporté la Route du Rhum, qui lui a inculqué la passion de la mer et des bateaux. C'est le début d'une recherche sans fin pour exprimer le mouvement dans ses peintures. Elle passait des heures devant la mer du Nord, qui la fascinâtes. Elle est passée avec bonheur du figuratif à l'abstrait.

Marie Bonhoure-Marsillach est aussi portée par la joie et la délicatesse qui se dégagent des œuvres colorées de Niki de St Phalle, elle-même aussi inspirée par Gaudi.
Sa première visite à Barcelone, il y a 20 ans, a été un choc émotionnel intense. Elle a été captivée par les œuvres de l'architecte catalan Antoni Gaudi. Elle dit 'J’ai envie de prendre à bras le corps ses oeuvres, je décide de créer des volumes recouverts de mosaïque.'

Sa relation fusionnelle à la mer et à Barcelone est déterminante dans sa création.
Marie Bonhoure-Marsillach: 'Mes origines déferlent comme une vague et donnent à mes sculptures des parfums colorés de voyage et de mer. Je me passionne pour la ville de Barcelone où je puise l’énergie nourricière nécessaire à ma création.'

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Marjan Smit (B)

Verre coulé au sable, un nuage de verre borosilicate, rempli de fantaisie colorée


L'artiste verrier Marjan Smit crée avec ses bruleurs des créatures fantaisistes colorées, dans lesquelles on peut parfois reconnaitre des calamars, des hippocampes et du plancton. Parfois, elles ne ressemblent à rien, elles sont complètement sorties de son imagination débridée.

Il existe d'innombrables techniques verrier avec lesquelles vous pouvez tout réaliser suivant votre imagination. Mais il faut alors vraiment prendre le temps d'apprendre le métier et de maitriser toutes les compétences.
Tout commence par le moulage en sable ; il suffit de verser du verre liquide à 1240 degrés Celsius dans un moule fait de sable de fonderie. Marjan Smit le divise en deux étapes afin d'avoir le temps et l'espace pour placer les fantaisies déjà réalisés dans le verre coagulant. Le résultat est ludique, avec des couleurs inattendus et des lignes robustes.
Après un nuage de verre borosilicaté apparait sur la fonte massive. Et là, Marjan Smit laisse libre cours à sa fantaisie : fleurs, oeufs de grenouilles, mouettes, vignes, calmars, ... une couronne pleine de détails délicats, mais qui forme une unité avec l'objet originale moulé, qui sert de base.

Marjan Smit utilise les installations de 'Het Glazen Huis' à Lommel, centre d'art verrier flamand moderne.

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Martha Veldthuis (B)

Combiner les caractéristiques des hommes et des femmes


Martha Veldthuis:

Technique:
. Martha Veldthuis façonne à la main l'argile en figures humaines. Elle utilise en partie l'argile colorée, - c'est à dire avec des oxydes. Les sculptures sont cuites dans un four électrique à environ 1100oC. Ensuite, elles n'ont pratiquement plus besoin d'être traitées.
Les céramiques qui sont combinées avec d'autres matériaux tels que le bronze ou le bois sont assemblées à l'aide des joints ou de la colle et après colorées. Une partie de l'oeuvre est coulée en bronze.

Thèmes:
Martha Veldthuis n'est pas intéressée par le contraste entre l'homme et la femme mais par la combinaison des caractéristiques dans chaque être humain.
Le travail d'une artiste visuel est principalement la communication.
En matière de communication, les aspects émotionnels et comportementaux fascinent Martha Veldthuis plus que le contenu de la communication ou la transmission d'informations. Elle s'intéresse au transfert de sentiments tels que l'agression, la joie, la timidité, la peur et la mort. Martha Veldthuis essaie de les exprimer dans son art.

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Martine Bronzin (B)


Martine Bronzin :
Bruxelloise de 64 ans, est née en Afrique.
Elle est mère et grand-mère, épouse, fille et amie, autant de rôles essentiels dans sa vie.
Professeure de littérature et de langue française, elle écrit depuis toujours pour son plaisir et se consacre aussi à ses autres passions, la peinture, la nature et les voyages.

Présentation :
Martine Bronzin viendra nous plonger dans son univers fait d'émotions, d'humour et de poésie avec des extraits courts de son dernier livre 'On fera la fête sous le parasol rouge', journal d'une Bruxelloise confinée, publié en 2021 par les éditions du Lys Bleu.

On fera la fête sous le parasol rouge :
Cette année 2020 ne ressemblerait décidément à aucune autre : pendant ce printemps insolent qui inonderait de lumière les parcs et nos jardins, nous tenterions de réinventer du sens à notre existence. Confinés dans ce qu'on appellerait 'la cabane' en mars, puis en octobre à nouveau, nous allions devoir vivre avec cette nouvelle donnée : plus rien ne serait comme avant et la pandémie durerait longtemps.
Dans cette drôle de guerre contre la covid, je déciderais de partir en résistance , de partager mes sentiments et mes émotions avec l'arme que je manie le mieux : la plume. C'est léger comme l'espoir, une plume. J'écrirais donc des chroniques quotidiennes sur Facebook pour envoyer des bulles d'oxygène et de joie à ceux qui me liraient.
C'est qu'on n'allait pas se laisser aller ! On allait voir ce qu'on allait voir ! Ce moment serait celui des victorieux, de nous tous qui modestement, allions lutter, chacun à notre manière, pour traverser cette épreuve et prouver que l'humanité n'est pas un vain mot.

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Mieke Oldenburg (B)

Bronze, Céramique

Femmes confiantes, élégantes et individualistes en bronze et en céramique dans une représentation classique


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Nele Schildermans (B)

Céramique

Fabuleux animaux aquatiques invitants en céramique


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Paja Van Dyck (B)

Sculptures en verre, Bijoux, 'Dot-painting', 3D mini-mondes sous cloche de verre

Si vous vos sens sont stimulés par vos émotions, les oeuvres les plus honnêtes seront créées en harmonie avec vous-même et la nature


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Patrick Van Tilborgh (B)

Le verre est sa source d'inspiration ultime. Les créations sont tantôt rugueuses et simples dans leur forme, tantôt stylistiques, mais souvent colorées et ludiques avec une touche de caractère typique


Patrick Van Tilborgh est infecté par le verre depuis un quart de siècle. Après une formation technique, il a commencé à expérimenter avec cette matière. Il a suivi un cours de sept ans sur le verre à l'IKA (Instituut voor Kunst en Ambachten) de Mechelen sous la direction de Koen Vanderstukken et Miloslava Svobodova. Il dispose de son propre studio de verre et d'un studio mobile pour réaliser ses propres créations et organiser des démonstrations, des évènements et des ateliers de verre. Patrick a une envie intérieure de travailler le verre sans limites. Cette matière l'intrigue, car la travailler c'est toujours une aventure si complexe. Elle offre toujours de nouveaux défis techniques et artistiques. Le verre est sa source d'inspiration ultime pour créer chaque fois à nouveau des objets d’art. La passion de Patrick van Tilborgh se reflète clairement dans ses œuvres d'art. Ils sont parfois rudes et simples dans leur forme, parfois plutôt stylistiques, mais souvent aussi colorés et ludiques avec une touche de caractère typique, propre à lui.

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Petra Verhees (B)

Glassfusing combine au cuivre, aux oxydes et aux matires brutes

'glass fusing' combinée à et aux matériaux bruts tels que le bois, la pierre, le métal


Petra Verhees (adapté) :
Elle est un amoureux de la nature et pendant des mois elle a voyagé à pied et à vélo à travers l'Europe. Quatre fois Petra Verhees a fait le pèlerinage vers Saint-Jacques de Compostelle. Ces impressions de la nature et des paysages qu’elle a acquises en cours du chemin restent ses sources d'inspiration.

Le choix de créer avec le verre est plutôt accidentel, elle ne se considère pas comme un artiste du verre.
Pendant une longue période, elle a travaillé sur le thème de l'eau et Petra Verhees était captivé par la réflexion, la réfraction et la transparence de verre. Cependant, créer des œuvres avec de l'eau est difficile. Lorsqu’elle a trouvé et étudié un morceau de verre brisé, elle a vu les mêmes transparences, réfractions et réflexions comme dans l'eau et même les mêmes couleurs apparaissent. À partir de ce moment elle a commencé à travailler avec le 'float glass' transparent.
Le recyclage est important pour elle et Petra Verhees préfère à utiliser du verre usé provenant d’anciennes serres. Créer une toute nouvelle œuvre à partir de déchets donne à elle beaucoup de satisfaction. Les couleurs, qu’elle ajoute au verre, sont toutes de nature et d'origine naturelles : cuivre, or, argent, sable et oxydes.

Petra Verhees crée ses œuvres en utilisant la technique du "fusing". Elle combine cela avec des matériaux bruts tels que le bois, la pierre et le métal.

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Plaids en Shawls (B)

Laine de yak du Népal

La laine de yak est fabriquée à partir des poils fins et isolants du yak domestique, un bœuf des hauts plateaux asiatiques


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Roland Menten (B)

Composite

Les escargots, les grenouilles, les fleurs, les champignons sont infiniment combinés, mais toujours surprenants, humoristiques et parfaitement exécutés


L'escargot

Roland Menten crée de l'art avec une note d'humour qui est souvent en contradiction ou donne une vision inattendue sur notre société stressée et perfectionnée. Il a réalisé toute une oeuvre sur et autour des escargots, des grenouilles, des feuilles, des champignons, ... en bref, la nature. Dans son travail, il donne aux escargots une place d'honneur.

La beauté des oeuvres de Roland Menten est qu'elles évoluent avec la nature.

D'une part, grâce à l'utilisation de surfaces polies ou rugueuses, les lichens deviennent des spectateurs et en même temps participent à l'histoire racontée par l'oeuvre d'art.

D'autre part, par l'utilisation des couleurs différentes, les sculptures conquièrent leur place dans la nature, qui à son tour adoucit cette dominance en incorporant la sculpture dans la végétation.

Les pièces de Roland Menten se sentent chez elles, aussi bien dans un design moderne que dans un intérieur classique, dans un jardin rigide à la française que dans la végétation, mais elles suscitent toujours un sourire. :-)

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Roos Mannaerts (B)


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Stella Marquet (B)

Harpe Celtique

Actrice, chanteuse et harpiste, ma passion, c'est jouer!


Stella Marquet (WaWaMagazine 2020)

Mais comment es-tu arrivées à la harpe finalement, instrument somme toute peu commun ?

C'est il y a 11 ans que j'ai rencontré la musique. Un ami m'avait conseillé une troupe de reconstitution historique médiévale. J'ai participé à un majestueux banquet et puis j'ai intégré la troupe de reconstitution historique médiévale Fer de Lance, à Rebecq.

Depuis toute petite, j'ai baigné dans la grande musique car mon père est passionné d'histoire et d'opéras; il avait aussi le don extraordinaire de m'emmener en voyage en me racontant des histoires le jour mais aussi le soir, alors que j'écoutais sa voix sous la couette, le coeur rempli d'émotions.

Plein feux sur Stella Marquet. Mais donc ? Pourquoi la harpe ?

En 2008, je vivais à Ixelles et c'est une de mes soeurs qui par hasard, un jour, m'a dit: « Mais tu sais qu'à Ixelles il y a des cours de harpe » ?

C'était assez saugrenu de sa part car je ne m'y étais jamais intéressée; en fait je n'avais même jamais vu une harpe de ma vie!

Par curiosité j'ai été voir à l'académie où la prof m'a trouvé un créneau. Après quelques semaines une autre élève a arrêté et je me suis retrouvée tous les jeudis à travailler la harpe pendant deux créneaux horaires.

L'accès à l'académie était libre pendant les heures d'ouverture de l'école et je m'y rendais quotidiennement. Ce fut un véritable coup de foudre avec la harpe, j'étais totalement séduite par ce magnifique instrument et je le suis encore...

Après trois ans de pratique régulière et d'analyse musicale j'ai commencé à travailler avec d'autres harpistes que j'avais rencontré au Brussels Harp Festival, où j'ai vu mes premiers concerts.

Depuis un an et demi, j'enseigne également la harpe.

Le 29 juin 2019, 11 ans plus tard, pour la sortie officielle de mon album, voilà que je joue à la Bibliothèque Solvay. Ce fut une expérience grandiose!

Acheter le CD: https://stellamarquet.com/musique/

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Tina Lintvelt (B)


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Tineke Thielemans (B)

Bronze

Un monde différent, un monde spécial, un monde vulnérable et sensible, mais aussi un monde que l'on regarde avec un sourie


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Tone Aanderaa (B)

Peintre


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Toni Kanwa Adikusumah (B)

Bronze, Métal, Bois. Thème : Art rituel et spirituel

Créer des passages, ouvrir l'esprit, résultant en des objets spirituelles et rituelles en bois et en bronze


Luc Schreiden (adapté) :
La principale originalité manifestée par les œuvres de Toni Kanwa Adikusumah réside dans l’alliance que l’artiste réussit entre les arts premiers et l’art contemporain, entre la profondeur de l’orient et la liberté créative de l’occident. La synthèse à laquelle il parvient sublime les dualités.

Influences :
Toni Kanwa Adikusumah est né à Java, Indonésie. Il a consacré la première partie de sa vie à s’immerger au cœur de plusieurs tribus indigènes où la culture et les arts rituels étaient encore une évidence et une nécessité pour les humains. Sa connaissance des techniques ancestrales et son enracinement spirituel sont exceptionnels. Gradué du Bandung Institute of Technology, il fut pendant plus d’une quinzaine d’années expert en Art tribal pour Sotheby’s et Christie’s à Jakarta et Bali.

Récemment :
Depuis les années 2000, Toni Kanwa Adikusumah parcourt le monde, se laissant notamment toucher par les influences de la scène artistique européenne. L’artiste nous présente ici une série de sculptures en bois et de réalisations en bronze révélatrices du flux d’énergie vitale résultant de ce chemin hors du commun et de la dualité entre l'Est et l'Ouest.

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Véronique Roland (B)

Une dynamique nourrie de courbes, oscillant entre sensualité et sensibilité, entre émotion animale et subtile humanité


L'univers de Véronique Roland est un perpétuel foisonnement d'inventivité et de matériaux divers qu'elle choisit, qu'elle marie et façonne au gré de son imaginaire. Ses créations sont toutes issues d'un élan, d'une dynamique nourrie de courbes, oscillant sans cesse entre sensualité et sensibilité, entre émotion animale et subtile humanité.
Les courbes s'éloignent, se rapprochent, s'entremêlent, se ramifient comme le font nos vies. Terre ou acier, verre ou bois, étain ou résine, tous supportent son inspiration.
Elle maîtrise les multiples techniques de l'artisan. Son esprit est dès lors tout entier au service du thème qu'elle illustre.

Depuis quelques années, le monumental l'a attiré pour sa difficulté technique, bien sûr, mais surtout pour le défi artistique que représente son intégration 'in situ'.
Ses sculptures monumentales veulent être légères, aériennes et porteuses d'un message volontairement positif. On retrouve sa signature dans des courbes sensuelles dynamisées par des droites qui leurs donnent force et stabilité.

Véronique Roland se voit elle-même comme la première bénéficiaire de ses sculptures.

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Will Schropp (B)

La sculpture doit être sculpté comme s'il n'y avait pas d'autres possibilités


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Woodstock chimes (B)


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Xavier Dumont (B)

Composite


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